En el desarrollo de esta exposición se pretende hacer un análisis sobre el papel que juega el museo en la contemporaneidad. Este recorrido se inicia analizando su evolución a partir de la concepción del museo moderno hasta el muso contemporáneo, desde sus objetivos políticos y una de sus funciones más importantes, como ente educador de una comunidad para la cual, el museo porta y conserva el patrimonio cultural inmaterial. Finalmente se abordan las funciones y competencias de un educador de arte del museo contemporáneo, principalmente a través del conocimiento que debe desarrollar sobre estrategias pedagógicas, conocimientos de la historia del arte, y de cómo abordar los problemas del arte actual.
En el Museo Moderno encontramos las siguientes características:
Objetos valor histórico, arqueológico
Colección
conservación
Fines educativos
Deleite
Exposiciones permanentes
Orientado al pasado.
Ampliación del concepto
Objetos con valor cultural, reflejo de la sociedad
Conservación
Comunicación
Presentación
Fines educativos
Deleite
Exposiciones temporales
Orientado hacia el proceso.
Hoy en día entre las principales funciones que posee el museo se encuentran:
1. Configurarse como centro de agenciamiento del arte
2. Validación de discursos entre ellos el del patrimonio inmaterial cultural
3. Educador y formador de públicos (el museo como herramienta pedagógica para instituciones educativas escuelas y colegios)
Pero para desarrollar estas funciones se encuentra la presencia de dos figuras primordiales que hacen que se cumplan en el museo:
- El curador, anteriormente denominado crítico de arte
- El educador del arte
La institución museo se configura a lo largo de la modernidad como uno de los entres principales de validación de los discursos artísticos, pero sus funciones no siempre han sido las mismas, pues estas han cambiado a lo largo de la historia. Hoy en día podemos ver que el museo entra en el mercado turístico y cultural, tomando otros caminos para mantener su estabilidad económica a través de la promoción cultural del contexto, ofreciendo circulación a los discursos culturales que emergen desde y para la sociedad en que se encuentra. En este sentido es bueno generar la siguiente pregunta: ¿A qué se va a un museo?, trataremos de dilucidar esta pregunta a lo largo del documento.
Las funciones del museo en Colombia después del 50 tenían que ver con la historicidad y por ende con el coleccionismo de las obras, para esto era necesaria una tarea de clasificación de las mismas. En este sentido el tener en cuenta el sentido cronológico de las obras artísticas era un principio, aunque aún lo encontramos en algunos museos ante todo históricos, Museo Nacional por mencionar uno que entre “1948 y 1988, se encontraban con tres inscripciones en letras de bronce: en el primer piso, MUSEO ARQUEOLÓGICO Y ETNOGRÁFICO; en el segundo, MUSEO HISTÓRICO; y en el tercero, MUSEO DE BELLAS ARTES. El visitante no tenía dudas que se trataba de tres museos en uno” . Nos referimos a un lugar que generaba las condiciones para la colección, la conservación por ende restauración de sus objetos, y la exhibición de la memoria histórica cultural.
La institución museo se convirtió en un contenedor de los principales representantes del arte, que estaban dentro de los cánones y políticas establecidas por el museo y se encontraban exposiciones permanentes de grandes colecciones que poseía el museo.
Pero a mediados del siglo con la aparición del arte conceptual, arte povera, land art , arte de acción o minimal arte, se inicia una especie de rechazo a este tipo obras por parte del público espectador, por tratarse de propuestas salidas de todo orden y canon y por ello totalmente incomprendidas, así, el museo se convierte en mediador de discursos, catalizador de la mirada, para ello toma la pedagogía como principal estrategia formadora de públicos, como reacción y reactivación frente a lo que ocurría en el mundo del arte, el museo era mediador entre las propuestas descabelladas de los artistas y la comprensión y apropiación de estos discursos por parte de los espectadores, una vez mas el espacio de exhibición tomaba relevancia frente a los artistas y continuaba validadolos, así fuera a partir de propuestas que no estaban hechas para ser exhibidas al interior del museo. Sobre lo anterior Diego salcedo nos menciona, “En este sentido, los artistas conceptuales terminaron contribuyendo a que el museo se pensara desde la perspectiva pedagógica y a que empezara a ganar adeptos en el contexto comercial y turístico.”
¿Cómo se desarrolla la función del museo frente a las nuevas prácticas artísticas, sociales y culturales actuales?. Hoy en día por los museos circulan y se comercian, productos culturales, podríamos decir que es una industria cultural, en este sentido se podría proponer que el museo es un eje articulador de pedagogías que acercan a las comunidades al conocimiento de las culturas subyacentes a través de esos productos, no solo obras de arte o la validación de los discursos, sino también es un lugar por donde circulan y se validan los discursos culturales emergentes, pero ¿de qué estrategias se está valiendo el museo para estar a la altura de esta exigencia social? Es aquí donde entran a primar los discursos pedagógicos y ante todo las nuevas didácticas que acercan estos conocimientos a sus visitantes. Otro elemento que pone en cuestión las funciones del museo moderno es la descentralización o dislocación, antes la gente visitaba el museo hoy en día el museo visita a la gente en sus lugares, en sus propios contextos, frente a esto De qué estrategias didácticas se vale el museo para hacer de esta práctica una práctica exitosa?. Es en este caso que entra el educador del arte con el conocimiento de nuevas didácticas, con conocimiento y pensamiento flexible de tal manera que pueda llevar el patrimonio a la gente. Son competencias del educador del arte:
Poseer conocimientos sobre nuevas didácticas para descentrar el conocimiento depositado en los objetos del museo
Ser gestor de su propia actividad
Gestor etnógrafo, con conocimiento de las comunidades y de las culturas emergentes
Comunica y se expresa
Concebimos entonces un museo CONTEMPORÁNEO como aquel que preserva la integridad del objeto como elemento de nuestro patrimonio y aquel que contribuye a la evolución de la sociedad, labor que debe realizar a través de la misión educativa. Será el propio museo y la comunidad, los que teniendo en cuenta su situación política, económica y cultural, elijan los objetivos y la política a seguir.
1. concepto ampliado: el objeto como documento y reflejo de una sociedad
2. Descentralizado: creación de pequeños museos locales
3. Exposiciones al aire libre, in situ, en el espacio público
Referentes Bibliográficos
Shouten, E. (1987): «La función educativa del Museo: un desafio permanente».Museum.
GOMBRICH. E. (1979): «El Museo: pasado, presenle y futuro». Ideales e idolos: Phaidon Press.
Malraux, andré(1956). El Museo Imaginario. Buenos Aires: Emecé.
Danto, A. (1999). Después del fin del Arte. Barcelona: Paidós
Macdonal, E. (1987): «El futuro de los Museos del mundo en la comunidad mundial. París: Museum.
Moral, B. (2008). Reflexiones sobre la capacidad didáctica de los museos y los objetos.Decisio. Saberes para la Educación de Adultos (20), mayo-agosto, CREFAL.
Otros documentos:
Maceira, L. ()El museo: espacio educativo potente en el mundo contemporáneo Sinéctica. Revista Electrónica de Educación.
HERNÁNDEZ, F. Evolución del concepto de museo. Universidad Complutense de Madrid
Liaño, S. G. El Museo. Realidad Contemporánea Portal Iberoamericano de Gestión Cultural www.gestioncultural.org Recuperado noviembre 2003
Plan Nacional de Educación Artística 2007-2010 MINISTERIO DE EDUCACIÓN NACIONAL. MINISTERIO DE CULTURA. (Documento de trabajo)
PLAN NACIONAL PARA LAS ARTES 2006-2010
Varios Autores, CATÁLOGOS DEL SALON NACIONAL DE ARTISTAS, Ministerio de Cultura.
12 de mayo de 2009
30 de abril de 2009
LA CULTURA COMO MEDIO LATENTE EN EL ARTE Y EL DISEÑO DE AMÉRICA LATINA
Ensayo para Jaime Alejandro Rodriguez
Seminario: Narrativas digitales
Maestría en Diseño y Creación Interactiva
EL CONTEXTO GLOBAL Y LOCAL
Problematizar el diseño en América Latina desde sí mismo y para sí, o entrar a realizar un análisis del diseño por el diseño mismo sería insuficiente. Problematizarlo a la luz de la pregunta por la cultura sería un posible camino, ¿qué le aporta la imagen del diseño a la cultura y que de cultural tiene el diseño?. Se tendría que preguntar por algo que aún no está resuelto, y es la función que cumple la imagen en el diseño cuando es generada o creada desde un contexto particularmente propio proyectada hacia un contexto globalizante y hacia la construcción de una “metacultura global” . La imagen es generada a la luz y en respuesta a un movimiento globalizante que nos lleva a problematizar sociedades, culturas y ciudades que están en constante crecimiento, y a generar la pregunta por la construcción de esa cultura global que va más allá de los cánones impuestos por los sectores hegemónicos, y en donde aquellas culturas subalternas que han sido relegadas en algunos casos, exotizadas en otros, deberían aportar en la construcción de la misma; en palabras de Gerardo Mosquera “La cuestión sería hacer la contemporaneidad desde una pluralidad de experiencias, que actuarían transformando la cultura global. No me refiero sólo a procesos de hibridación, resignificación y sincretismo, sino a orientaciones e invenciones de la metacultura global desde posiciones subalternas. El punto clave reside en quién ejerce la decisión cultural, y en beneficio de quién es tomada —no sólo en el plano etnocultural, sino también en cuanto al género y a las clases y grupos sociales —. Una agenda utópica sería pensar en una metacultura reconstruida desde la más vasta pluralidad de perspectivas” . Propuesta esta que hace que el sentido y la pregunta por la imagen en el diseño en un contexto global tome más relevancia, en la búsqueda de sobrepasar algunas ideas y posiciones que sitúan a América Latina como cultura antropofágica de modelos propuestos en otras latitudes como Europa o Norteamérica, y que la llevarían a posicionarse dentro del sistema de globalización como cultura que posee movimientos propios internos y desde los cuales se proponen en palabras de Gerardo Mosquera nuevas “orientaciones y proposiciones que seguir desde una cultura subalterna”. (Manifiesto antropófago) http://www.e-fagia.org/disfagiamagArtAntro.html
Este contexto nos lleva necesariamente a iniciar este análisis a partir de la relación entre lo local y lo global, de la marcada influencia y dependencia de códigos impuestos por políticas con carácter hegemónico, de la búsqueda continua a la pregunta pensar local y actuar global, o pensar global y actuar local desde prácticas creativas como el diseño y el arte, y de la incesante necesidad que tiene los nuevos diseñadores o artistas de entrar al mercado, lo que denominaría Luis Camntizer “el acceso a la corriente principal”, y las consecuencias de la exotización de las prácticas nombradas anteriormente el diseño, el arte y la cultura. Todos estos pre-supuestos tienen como finalidad introducirnos en lo que sucede actualmente dentro de los sistemas del diseño y del arte, y acercarnos a lo que representa la imagen generada por culturas subordinadas o subalternas en un contexto globalizante. (sobre la corriente principal)
Es necesario también entrar a analizar las nociones existentes respecto a la cultura, de las concepciones sobre lo culto y lo popular, sobre la hibridación cultural después del proceso de colonización y los fenómenos de migración, consecuencia de ello los fenómenos diaspóricos. Todo este entramado de nociones, genera relaciones que pretendemos hacerlas visibles a partir del supuesto que el diseño y el arte son la principal forma de expresión en que se manifiesta la cultura, para comprender lo que sucede con la imagen desde una posición de multiculturalidad en América Latina, que está en íntima relación con la concepción de cultura que asumimos, y su relación con un orden político económico internacional. Pero es precisamente esta multiplicidad de posiciones la que se manifiesta en imagen y resulta ser nuestra principal fortaleza cultural.
VISIÓN PANORÁMICA
Los movimientos económico, político, social y cultural a nivel mundial, traen consigo la creación de nuevas estrategias y aplicación de políticas que en la mayoría de los casos están dadas por centros de poder, o centros hegemónicos que tienen por objetivo, entre otros, la homogeneización cultural y la universalización de la cultura, en búsqueda de su “prolongación, legitimación y dominación” . Estas políticas se manifiestan, por ejemplo, en la mercantilización de productos que se produce en contextos específicos, y que se han generado en sociedades subalternas o en vías de desarrollo, es decir, América Latina, esto va de la mano del modelo económico imperante. Esta es una parte del sistema, al cual se ven abocados diseñadores y artistas creadores de estas latitudes. Para entrar en el sistema imperante, estos realizan imágenes a través de las cuales se representa la cultura en un tipo de cultismo que si bien muestra una cara de esta, no es realmente lo más relevante de la cultura misma; pues existen otros valores que subyacen y que las hacen mas significativas dentro de la sociedad en la cual han sido creadas, es por esto que no existe una relación directamente proporcional entre lo que los diseñadores y artistas presentan como cultura en sus productos y lo significativo que pueden llegar a ser para los diferentes grupos sociales que viven en esta cultura, sería interesante aquí analizar mas de fondo lo que sucede con la etnografía urbana como herramienta o método investigativo en el diseño y el arte.
Otros valores se mueven dentro del circuito o mercado, que la mayoría de las veces son acercamientos de tipo formalista, los productos y los procesos del diseño y el arte son valorados a partir de fórmulas que se imponen y se configuran desde el exterior, y son valores que se expanden y cobijan a todo lo producido en culturas subordinadas, sobre esto nos dice Camntizer “lo que merece nuestra atención son los elementos comunes a la experiencia de todos: por ejemplo, el colonialismo como una fuerza que afecta tanto las colonias internas como externas; los valores difundidos por instituciones educativas que separan a los pueblos de sus identidades; la fetichización en el mercado del éxito individual por encima de la edificación de la cultura. Estos son hechos sustanciales. Es a través de estos elementos que el mercado se convierte en herramienta para la homogeneización, y la "corriente principal" resulta ser un eufemismo para sus actos” . Finalmente el principal objetivo se convierte en entrar en el circuito del mercado internacional, o en el denominado, “acceso a la corriente principal” en el caso del arte, sobre lo anterior dice Camnitzer: ”… esto ha traído consecuencias menos positivas, cuando estas premisas analíticas son llevadas al extremo: se sacó la conclusión de que el arte debía ser percibido en términos formales, y que esos términos - tal como los matemáticos- debían ser homogenizados para formar un estilo "internacional". De hecho, el concepto de un estilo "internacional" es algo que puede ser visto como instrumento para hegemonía política y expansionismo cultural” .
ENTRE LO CULTURAL Y LO ARTÍSTICO ALGUNAS NOCIONES
Una de las concepciones que subyacen a partir del siglo XVIII y que nace con el poderío de Francia e Inglaterra como potencias mundiales en esta época, es aquella en donde la cultura es considerada como “la alta cultura”; de la mano de la ilustración, se pensaba que aquellas personas que tenían acceso a cierto tipo de conocimiento, que fueran letradas, eran las únicas poseedoras de la cultura, a diferencia de la baja cultura o cultura popular en donde el pueblo, no disfrutaba los privilegios de acceder a dicha educación, los poco letrados no la poseían, en palabras de Santiago Castro “Las formas propiamente letradas o como diría Weber Racionalizadas de la cultura (codificación musical, arte secularizado, literatura, filosofía, historiografía), son más elevadas desde el punto de vista fenomenológico, puesto que a través de ellas el hombre pude volver sobre sí mismo y reconocer su propia vocación espiritual. Los grupos humanos que no han logrado acceder a la reflexividad de la cultura alta permanecen anclados en la minoría de edad y se hallan necesitados de la iluminación proveniente de los letrados y particularmente de los filósofos” igualmente y como lo menciona el autor en el campo del diseño y las artes, al parecer sucede de la misma manera, al diseño sólo accede la élite, como en el pasado los reyes pertenecientes a la corte real, quienes podían pagar por un retrato en pintura o encargar una escultura a los principales artistas de esta época, en este caso ¿Quiénes acceden a grandes marcas corporativas?.
Un poco mas adelante en la historia, la cultura entra a ser parte de uno de los andamiajes más fuertes de la humanidad, la ciencia. Con la aparición de las ciencias humanas la cultura pasó a hacer objeto de estudio de algunas disciplinas como la antropología, la sociología, la etnografía. Pasamos a concebir la cultura como espacio de desarrollo humano y social que está sujeto a un territorio geográfico. Hoy materia prima principal en la creación de productos propios de un sitio o lugar. La cultura considerara como una serie de manifestaciones de un grupo social o una comunidad, como lo menciona Santiago Castro Filósofo e investigador del instituto de Estudios Sociales y culturales PENSAR de la Universidad Javeriana “…debe asentarse en las condiciones geográficas, las costumbres, la lengua y los modos de pensar características de un pueblo sobre el que se ejerce un gobierno” Y aquí el autor nos da pie para exponer la relación que comienza a darse entre cultura y poder, en donde la cultura se haya sujeta no solo a un grupo poblacional o a un estado, sino a otros elementos como la economía, y la política, en este caso el modelo económico capitalista, en donde los estados que mayores riquezas acumulen son consideradas potencias mundiales y se convierten en centro del poder, y aquellos otros harán parte de la llamada periferia. Todos estos cambios están amarrados al desarrollo histórico que ha ocurrido durante el siglo XX en el cual los hechos han transcurrido con gran rapidez, aparecen temas que si bien se tocan a nivel internacional, trazan y marcan políticas a nivel local. En estas últimas dos décadas se ha hablado del proceso de globalización, de la relación entre lo global y lo local, temas como la internacionalización de la economía, de los grandes procesos de desterritorialización, los tan nombrados fenómenos diaspóricos, y resultado de esto, las emanaciones multiculturales e interculturales. Hechos que suceden todos a la vez y que demandan necesariamente transformaciones en el pensamiento, y acciones que acontecen en el campo de diseño y el arte, como lo enfatiza Garcia Canclini “La cultura propia se formaría en relación a un territorio y se organizaría conceptual y prácticamente, gracias a la formación de colecciones de objetos, textos y rituales, con los que se afirmarían y reproducirían los signos que distinguen a cada grupo” , después de que las ciencias sociales asumen que existen diversas culturas, comienza una afanosa carrera por organizar aquellos vestigios que las mismas culturas han producido en la historia y en el mismo tiempo en que habitan. Proliferan los museos arqueológicos, los grandes coleccionistas de arte y una extraña valoración por lo que parece ser una suerte de cultismo por manifestaciones artísticas de grupos sociales que antes estaban en el olvido y que era necesario que entraran hacer parte del andamiaje historicista de las sociedades. Una vez más tanto en el diseño como en el arte, los elementos extraños de culturas como la africana, la indígena, los negros, los mismos grupos humanos migratorios sirven de tema para la consolidación formalista de estos y con esto la secularización de las culturas, bien lo menciona Jairo Montoya Licenciado en Filosofía y letras, profesor de la Facultad de Ciencias humanas de la Universidad Nacional sede Medellín “Frente a una estética restringida casi exclusivamente a las producciones del arte y cuyo espacio aparecía cada vez más difícil e inoperante de sostener, se trataba ahora de reivindicar una estética expandida que buscase no tanto la universalización del fenómeno artístico, cuanto la indagación por los diferentes estratos que componen el comportamiento estético; o en palabras de André Leroi Gourhan, que se propusiese “rescatar en toda la densidad de las percepciones cómo se constituye en el espacio y en el tiempo un(os) código(s) de emociones, asegurando al sujeto étnico lo más claro de su inserción afectiva en su sociedad” . Para comprender el cambio de pensamiento alrededor de la concepción sobre cultura podemos remitirnos a algunos objetos y obras erigidas en culturas como la africana y la cubana pero que fueron adquiridas como obras para museo.
Hoy día se considera que la cultura se amplía un poco más, para entrar a discutir ya no de una sola cultura unificadora de una nación, caso de América Latina, sino de una nación que está constituida por múltiples culturas que se traslapan y se interrelacionan enriqueciéndose o devastándose unas a otras. Se trata de que según el número de comunidades o grupos sociales existan, igual será el número de culturas que coexistan detrás de dichos grupos. En este caso la cultura está concebida como las maneras, o formas de hacer de una comunidad y en la que entran a jugar elementos importantísimos como lo gastronómico, las costumbres, los ritos y mitos, la lengua, sus manifestaciones artríticas; y todo esto entra a conjugar un entramado de relaciones internas entre los sujetos de la misma cultura y otros que están por fuera de la misma, y se convierten en elementos primordiales en la producción de diseños y objetos artísticos. Respecto a esto Jairo Montoya expone “Pero a lo mejor hablamos de memorias porque nuestra condición actual, nos pone, en primer lugar ante la experiencia de una individualidad fuertemente “fragmentada” que parece buscar contrapartida, y a toda costa, puntos de reconocimiento y de identificación; y en segundo lugar, ante agrupaciones sociales “reterritorializadas” en sus espacios, en su comportamiento y sobre todo en su pertenencia a un suelo histórico que las arraigue” .
La base sobre la que se sustenta entonces tanto el diseño como el arte en América Latina es la de re-construir memoria, de recuperar lo ya perdido transformándolo de nuevo, de recuperar si se quiere una identidad construida a partir de un entramado de culturas, pero no una identidad manida en una concepción globalizante, sino partiendo de la autonomía de las culturas, de la diversidad de las mismas frente al fenómeno de globalización. Es por todo esto que algunos diseñadores y artistas presentan en sus creaciones elementos propios de nuestra cultura popular reconfigurándolos, o elementos culturales significantes de una comunidad que se hayan escindidos, que posee movimientos y ritmos discontinuos pero que hacen parte de la cultura Latinoamericana.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
- Hernández, Carmen. Más allá de la Exotización y la Sociologización del arte Latinoamericano. Universidad Central de Venezuela. Texto en pdf
- Camntizer, Luis. Acceso a la Corriente Principal Traducción al español de María Elena Mesa. Texto en pdf
- Castro Gómez Santiago, Teoría tradicional y teoría crítica de la cultura, en el libro Sujeto Cultura y dinámica social. Ediciones Antropos. Bogotá 2005
- Garcia Canclini Nestor, Narrar la multiculturalidad. VI cátedra de Arte Luis Angel Arango el fin de siglo en las artes latinoamericanas. Bogotá 1996
- Montoya jairo, De las memorias a las dramaturgias urbanas. Cultura y Región , Universidad Nacional. Bogotá 2000
Seminario: Narrativas digitales
Maestría en Diseño y Creación Interactiva
EL CONTEXTO GLOBAL Y LOCAL
Problematizar el diseño en América Latina desde sí mismo y para sí, o entrar a realizar un análisis del diseño por el diseño mismo sería insuficiente. Problematizarlo a la luz de la pregunta por la cultura sería un posible camino, ¿qué le aporta la imagen del diseño a la cultura y que de cultural tiene el diseño?. Se tendría que preguntar por algo que aún no está resuelto, y es la función que cumple la imagen en el diseño cuando es generada o creada desde un contexto particularmente propio proyectada hacia un contexto globalizante y hacia la construcción de una “metacultura global” . La imagen es generada a la luz y en respuesta a un movimiento globalizante que nos lleva a problematizar sociedades, culturas y ciudades que están en constante crecimiento, y a generar la pregunta por la construcción de esa cultura global que va más allá de los cánones impuestos por los sectores hegemónicos, y en donde aquellas culturas subalternas que han sido relegadas en algunos casos, exotizadas en otros, deberían aportar en la construcción de la misma; en palabras de Gerardo Mosquera “La cuestión sería hacer la contemporaneidad desde una pluralidad de experiencias, que actuarían transformando la cultura global. No me refiero sólo a procesos de hibridación, resignificación y sincretismo, sino a orientaciones e invenciones de la metacultura global desde posiciones subalternas. El punto clave reside en quién ejerce la decisión cultural, y en beneficio de quién es tomada —no sólo en el plano etnocultural, sino también en cuanto al género y a las clases y grupos sociales —. Una agenda utópica sería pensar en una metacultura reconstruida desde la más vasta pluralidad de perspectivas” . Propuesta esta que hace que el sentido y la pregunta por la imagen en el diseño en un contexto global tome más relevancia, en la búsqueda de sobrepasar algunas ideas y posiciones que sitúan a América Latina como cultura antropofágica de modelos propuestos en otras latitudes como Europa o Norteamérica, y que la llevarían a posicionarse dentro del sistema de globalización como cultura que posee movimientos propios internos y desde los cuales se proponen en palabras de Gerardo Mosquera nuevas “orientaciones y proposiciones que seguir desde una cultura subalterna”. (Manifiesto antropófago) http://www.e-fagia.org/disfagiamagArtAntro.html
Este contexto nos lleva necesariamente a iniciar este análisis a partir de la relación entre lo local y lo global, de la marcada influencia y dependencia de códigos impuestos por políticas con carácter hegemónico, de la búsqueda continua a la pregunta pensar local y actuar global, o pensar global y actuar local desde prácticas creativas como el diseño y el arte, y de la incesante necesidad que tiene los nuevos diseñadores o artistas de entrar al mercado, lo que denominaría Luis Camntizer “el acceso a la corriente principal”, y las consecuencias de la exotización de las prácticas nombradas anteriormente el diseño, el arte y la cultura. Todos estos pre-supuestos tienen como finalidad introducirnos en lo que sucede actualmente dentro de los sistemas del diseño y del arte, y acercarnos a lo que representa la imagen generada por culturas subordinadas o subalternas en un contexto globalizante. (sobre la corriente principal)
Es necesario también entrar a analizar las nociones existentes respecto a la cultura, de las concepciones sobre lo culto y lo popular, sobre la hibridación cultural después del proceso de colonización y los fenómenos de migración, consecuencia de ello los fenómenos diaspóricos. Todo este entramado de nociones, genera relaciones que pretendemos hacerlas visibles a partir del supuesto que el diseño y el arte son la principal forma de expresión en que se manifiesta la cultura, para comprender lo que sucede con la imagen desde una posición de multiculturalidad en América Latina, que está en íntima relación con la concepción de cultura que asumimos, y su relación con un orden político económico internacional. Pero es precisamente esta multiplicidad de posiciones la que se manifiesta en imagen y resulta ser nuestra principal fortaleza cultural.
VISIÓN PANORÁMICA
Los movimientos económico, político, social y cultural a nivel mundial, traen consigo la creación de nuevas estrategias y aplicación de políticas que en la mayoría de los casos están dadas por centros de poder, o centros hegemónicos que tienen por objetivo, entre otros, la homogeneización cultural y la universalización de la cultura, en búsqueda de su “prolongación, legitimación y dominación” . Estas políticas se manifiestan, por ejemplo, en la mercantilización de productos que se produce en contextos específicos, y que se han generado en sociedades subalternas o en vías de desarrollo, es decir, América Latina, esto va de la mano del modelo económico imperante. Esta es una parte del sistema, al cual se ven abocados diseñadores y artistas creadores de estas latitudes. Para entrar en el sistema imperante, estos realizan imágenes a través de las cuales se representa la cultura en un tipo de cultismo que si bien muestra una cara de esta, no es realmente lo más relevante de la cultura misma; pues existen otros valores que subyacen y que las hacen mas significativas dentro de la sociedad en la cual han sido creadas, es por esto que no existe una relación directamente proporcional entre lo que los diseñadores y artistas presentan como cultura en sus productos y lo significativo que pueden llegar a ser para los diferentes grupos sociales que viven en esta cultura, sería interesante aquí analizar mas de fondo lo que sucede con la etnografía urbana como herramienta o método investigativo en el diseño y el arte.
Otros valores se mueven dentro del circuito o mercado, que la mayoría de las veces son acercamientos de tipo formalista, los productos y los procesos del diseño y el arte son valorados a partir de fórmulas que se imponen y se configuran desde el exterior, y son valores que se expanden y cobijan a todo lo producido en culturas subordinadas, sobre esto nos dice Camntizer “lo que merece nuestra atención son los elementos comunes a la experiencia de todos: por ejemplo, el colonialismo como una fuerza que afecta tanto las colonias internas como externas; los valores difundidos por instituciones educativas que separan a los pueblos de sus identidades; la fetichización en el mercado del éxito individual por encima de la edificación de la cultura. Estos son hechos sustanciales. Es a través de estos elementos que el mercado se convierte en herramienta para la homogeneización, y la "corriente principal" resulta ser un eufemismo para sus actos” . Finalmente el principal objetivo se convierte en entrar en el circuito del mercado internacional, o en el denominado, “acceso a la corriente principal” en el caso del arte, sobre lo anterior dice Camnitzer: ”… esto ha traído consecuencias menos positivas, cuando estas premisas analíticas son llevadas al extremo: se sacó la conclusión de que el arte debía ser percibido en términos formales, y que esos términos - tal como los matemáticos- debían ser homogenizados para formar un estilo "internacional". De hecho, el concepto de un estilo "internacional" es algo que puede ser visto como instrumento para hegemonía política y expansionismo cultural” .
ENTRE LO CULTURAL Y LO ARTÍSTICO ALGUNAS NOCIONES
Una de las concepciones que subyacen a partir del siglo XVIII y que nace con el poderío de Francia e Inglaterra como potencias mundiales en esta época, es aquella en donde la cultura es considerada como “la alta cultura”; de la mano de la ilustración, se pensaba que aquellas personas que tenían acceso a cierto tipo de conocimiento, que fueran letradas, eran las únicas poseedoras de la cultura, a diferencia de la baja cultura o cultura popular en donde el pueblo, no disfrutaba los privilegios de acceder a dicha educación, los poco letrados no la poseían, en palabras de Santiago Castro “Las formas propiamente letradas o como diría Weber Racionalizadas de la cultura (codificación musical, arte secularizado, literatura, filosofía, historiografía), son más elevadas desde el punto de vista fenomenológico, puesto que a través de ellas el hombre pude volver sobre sí mismo y reconocer su propia vocación espiritual. Los grupos humanos que no han logrado acceder a la reflexividad de la cultura alta permanecen anclados en la minoría de edad y se hallan necesitados de la iluminación proveniente de los letrados y particularmente de los filósofos” igualmente y como lo menciona el autor en el campo del diseño y las artes, al parecer sucede de la misma manera, al diseño sólo accede la élite, como en el pasado los reyes pertenecientes a la corte real, quienes podían pagar por un retrato en pintura o encargar una escultura a los principales artistas de esta época, en este caso ¿Quiénes acceden a grandes marcas corporativas?.
Un poco mas adelante en la historia, la cultura entra a ser parte de uno de los andamiajes más fuertes de la humanidad, la ciencia. Con la aparición de las ciencias humanas la cultura pasó a hacer objeto de estudio de algunas disciplinas como la antropología, la sociología, la etnografía. Pasamos a concebir la cultura como espacio de desarrollo humano y social que está sujeto a un territorio geográfico. Hoy materia prima principal en la creación de productos propios de un sitio o lugar. La cultura considerara como una serie de manifestaciones de un grupo social o una comunidad, como lo menciona Santiago Castro Filósofo e investigador del instituto de Estudios Sociales y culturales PENSAR de la Universidad Javeriana “…debe asentarse en las condiciones geográficas, las costumbres, la lengua y los modos de pensar características de un pueblo sobre el que se ejerce un gobierno” Y aquí el autor nos da pie para exponer la relación que comienza a darse entre cultura y poder, en donde la cultura se haya sujeta no solo a un grupo poblacional o a un estado, sino a otros elementos como la economía, y la política, en este caso el modelo económico capitalista, en donde los estados que mayores riquezas acumulen son consideradas potencias mundiales y se convierten en centro del poder, y aquellos otros harán parte de la llamada periferia. Todos estos cambios están amarrados al desarrollo histórico que ha ocurrido durante el siglo XX en el cual los hechos han transcurrido con gran rapidez, aparecen temas que si bien se tocan a nivel internacional, trazan y marcan políticas a nivel local. En estas últimas dos décadas se ha hablado del proceso de globalización, de la relación entre lo global y lo local, temas como la internacionalización de la economía, de los grandes procesos de desterritorialización, los tan nombrados fenómenos diaspóricos, y resultado de esto, las emanaciones multiculturales e interculturales. Hechos que suceden todos a la vez y que demandan necesariamente transformaciones en el pensamiento, y acciones que acontecen en el campo de diseño y el arte, como lo enfatiza Garcia Canclini “La cultura propia se formaría en relación a un territorio y se organizaría conceptual y prácticamente, gracias a la formación de colecciones de objetos, textos y rituales, con los que se afirmarían y reproducirían los signos que distinguen a cada grupo” , después de que las ciencias sociales asumen que existen diversas culturas, comienza una afanosa carrera por organizar aquellos vestigios que las mismas culturas han producido en la historia y en el mismo tiempo en que habitan. Proliferan los museos arqueológicos, los grandes coleccionistas de arte y una extraña valoración por lo que parece ser una suerte de cultismo por manifestaciones artísticas de grupos sociales que antes estaban en el olvido y que era necesario que entraran hacer parte del andamiaje historicista de las sociedades. Una vez más tanto en el diseño como en el arte, los elementos extraños de culturas como la africana, la indígena, los negros, los mismos grupos humanos migratorios sirven de tema para la consolidación formalista de estos y con esto la secularización de las culturas, bien lo menciona Jairo Montoya Licenciado en Filosofía y letras, profesor de la Facultad de Ciencias humanas de la Universidad Nacional sede Medellín “Frente a una estética restringida casi exclusivamente a las producciones del arte y cuyo espacio aparecía cada vez más difícil e inoperante de sostener, se trataba ahora de reivindicar una estética expandida que buscase no tanto la universalización del fenómeno artístico, cuanto la indagación por los diferentes estratos que componen el comportamiento estético; o en palabras de André Leroi Gourhan, que se propusiese “rescatar en toda la densidad de las percepciones cómo se constituye en el espacio y en el tiempo un(os) código(s) de emociones, asegurando al sujeto étnico lo más claro de su inserción afectiva en su sociedad” . Para comprender el cambio de pensamiento alrededor de la concepción sobre cultura podemos remitirnos a algunos objetos y obras erigidas en culturas como la africana y la cubana pero que fueron adquiridas como obras para museo.
Hoy día se considera que la cultura se amplía un poco más, para entrar a discutir ya no de una sola cultura unificadora de una nación, caso de América Latina, sino de una nación que está constituida por múltiples culturas que se traslapan y se interrelacionan enriqueciéndose o devastándose unas a otras. Se trata de que según el número de comunidades o grupos sociales existan, igual será el número de culturas que coexistan detrás de dichos grupos. En este caso la cultura está concebida como las maneras, o formas de hacer de una comunidad y en la que entran a jugar elementos importantísimos como lo gastronómico, las costumbres, los ritos y mitos, la lengua, sus manifestaciones artríticas; y todo esto entra a conjugar un entramado de relaciones internas entre los sujetos de la misma cultura y otros que están por fuera de la misma, y se convierten en elementos primordiales en la producción de diseños y objetos artísticos. Respecto a esto Jairo Montoya expone “Pero a lo mejor hablamos de memorias porque nuestra condición actual, nos pone, en primer lugar ante la experiencia de una individualidad fuertemente “fragmentada” que parece buscar contrapartida, y a toda costa, puntos de reconocimiento y de identificación; y en segundo lugar, ante agrupaciones sociales “reterritorializadas” en sus espacios, en su comportamiento y sobre todo en su pertenencia a un suelo histórico que las arraigue” .
La base sobre la que se sustenta entonces tanto el diseño como el arte en América Latina es la de re-construir memoria, de recuperar lo ya perdido transformándolo de nuevo, de recuperar si se quiere una identidad construida a partir de un entramado de culturas, pero no una identidad manida en una concepción globalizante, sino partiendo de la autonomía de las culturas, de la diversidad de las mismas frente al fenómeno de globalización. Es por todo esto que algunos diseñadores y artistas presentan en sus creaciones elementos propios de nuestra cultura popular reconfigurándolos, o elementos culturales significantes de una comunidad que se hayan escindidos, que posee movimientos y ritmos discontinuos pero que hacen parte de la cultura Latinoamericana.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
- Hernández, Carmen. Más allá de la Exotización y la Sociologización del arte Latinoamericano. Universidad Central de Venezuela. Texto en pdf
- Camntizer, Luis. Acceso a la Corriente Principal Traducción al español de María Elena Mesa. Texto en pdf
- Castro Gómez Santiago, Teoría tradicional y teoría crítica de la cultura, en el libro Sujeto Cultura y dinámica social. Ediciones Antropos. Bogotá 2005
- Garcia Canclini Nestor, Narrar la multiculturalidad. VI cátedra de Arte Luis Angel Arango el fin de siglo en las artes latinoamericanas. Bogotá 1996
- Montoya jairo, De las memorias a las dramaturgias urbanas. Cultura y Región , Universidad Nacional. Bogotá 2000
8 de abril de 2009
INVESTIGACIÓN - CREACIÓN UN ACERCAMIENTO A LA INVESTIGACIÓN EN LAS ARTES
Resumen
La investigación - creación en las artes hoy es un método muy utilizado por las instituciones académicas de artes; este documento pretende dar algunas luces sobre las principales características de la investigación creación, tomando como referencia el documento “La naturaleza de la investigación” del autor Bruce Archer. El documento inicia haciendo un análisis de la triada que conforma el arte, artista, obra, espectador, y de sus implicaciones en la investigación creación, para terminar ofreciendo algunas características que debe poseer un creador como investigador.
Palabras claves
Investigación – creación, artes, método investigativo, sujeto, imaginación y creatividad.
Introducción
Este documento pretende hacer un análisis de lo que significa la investigación- creación en las artes, partiendo de la propuesta sobre la investigación que hace el autor Bruce Archer en su documento, “La naturaleza de la Investigación” . Es bueno aclarar de entrada que la investigación – creación es un discurso nuevo en el ámbito de las artes y de las academias de artes. Este es un intento por tratar de aportar y comprender este fenómeno.
Teniendo en cuenta que la investigación – creación aún no es considerado un método investigativo propio del ámbito de las artes, a nuestro modo de ver es una manera a través de la cual el campo del arte pretende: a) estar al nivel de la comunidad académica y científica frente al debate sobre la generación de conocimiento desde el campo de las artes, b) consolidar una comunidad académica artística para las artes, tarea ardua y difícil, por el pensamiento generalizado de que el artista es individualista, y solitario, y por esta razón se le dificulta crear comunidad y c) Esta forma investigativa toma prestados métodos de investigación de las Ciencias Sociales, hecho que ha traído consigo que la comunidad artística asuma la investigación - creación como un método investigativo propio.
Frente a lo anterior se plantea la pregunta ¿La investigación creación puede ser considerada un método de investigación generadora de conocimiento? Para dar respuesta a lo anterior trataremos de dar una mirada general a lo que ha significado la triada del El arte: el creador, la obra de arte y el espectador; y de sus implicaciones en la investigación creación, posteriormente se hace una aproximación a las características que debe posee el creador para a ser investigador y finalmente un acercamiento a las principales características de la investigación creación desde la teoría de Bruce Archer.
La triada creador, obra, espectador
Para poder realizar un análisis de lo que sucede con la investigación – creación en el arte, tendremos que mencionar tres elementos que han estado presentes en el acontecer del Arte, sin ellos el arte no habría podido ser y existir durante la historia. Ellos son el sujeto creador o artista, el objeto o práctica artística y el espectador o público quien recibe la obra o propuesta artística. Hay que aclarar que estos términos han cambiado dependiendo de la época en la que se desarrollan. Sin embargo es claro que esta triada no puede ser apartada y dependen los unos de los otros para poder ser, no hay obra sin creador, no hay obra sin espectador pero no hay creador sin obra.
Estos tres elementos a lo largo de la historia, ha prevalecido uno u otro sobre los demás, y se han tejido relaciones, que han dado relevancia a lo que conocemos como arte en términos generales. De lo que se trata aquí es de sentar algunas bases para la comprensión y formalización respecto a la investigación – creación, para lo cual entender estos tres elementos es indispensable además de comprender su unidad.
Veamos como sucede esto, en la historia en la época renacentista Miguel Ángel o Leonardo por mencionar solo dos nombres de artistas de la época, sobresalían por sus habilidades, por sus conocimientos, y por lo que crearon para su época. En este caso su hacer los representaba, pero además de esto también lo era el cúmulo de conocimientos que podía poseer un solo hombre, ellos fueron creadores, inventores y desarrollaron multiplicidad de facetas. Estas características permitieron que en esta época el arte se acercara un poco a lo que era la ciencia, además fue considerado como ciencia, por los conocimientos que este podía producir, para mencionar un ejemplo la perspectiva, daba cuenta de la compresión de la tridimensionalidad del espacio físico en el plano bidimensional. Para hacer claridad, en nuestro tiempo no solo el artista es el creador, también lo son quienes asisten a la obra, esto lo desarrollaremos mas adelante.
Pero un poco más avanzados en la historia en el siglo XX es la obra de arte es la protagonista, el Guernica de Picasso significó mucho para su época, por lo que lograba representar para una cultura como la española en una época de convulsiones y problemáticas civiles. Aquí el valor de la obra está dada por lo que transmitía o comunicaba, no por el nombre de su creador, por los valores culturales que poseía para un contexto en particular. Generaba un tipo de conocimiento sobre el contexto local y aún hoy muchas de las obras de arte nos informan sobre los sucesos de alguna cultura o momento de la historia en particular. La obra de arte producía un tipo de conocimiento desde su materialidad, para quien estaba en frente de ella.
Para nuestra época, me atrevería a decir, el arte ya no interesa por lo que representa, o por lo que puede significar sino por las múltiples relaciones, posibilidades y experiencias que puede ofrecer a quién la percibe, o las conexiones que puede tejer el participante a través de ella. Es decir su corpus significante, su sintaxis interna, sus cualidades formales y manejos técnicos presenta multiplicidad de caminos, experiencias, interacciones y percepciones para quien participa del evento. Nos referimos exclusivamente a las propuestas con componentes de interactividad, creaciones electrónicas o propuestas digitales, en las que el espectador es quien elabora, termina, complementa, y vivencia la obra. Ya no es algo para ver y contemplar, las propuestas artísticas presentan momentos, ambientes, eventos, y vivencias tal vez imposibles en la realidad, que activan la presencia de quien está enfrente. En este sentido el arte de nuestra época tiene la capacidad de producir no solo emociones, sino de generar nuevos acontecimientos tanto para quien la crea como para quien la presencia. Es aquí donde el arte es detonante de nuevas experiencias inimaginadas, que le permite a quien las presencia ser co –creador, esto trae consigo nuevos aprendizajes, nuevos conocimientos.
Es por lo anterior que se concluye que asistimos a un momento histórico en el que el arte cambia su sentido, sus maneras de ser, sus técnicas, como resultado de una época con características propias, se transforma y los elementos que lo componen dejan de ser una triada y unidad para dar paso y entrada a otros componentes que le aportan nuevos valores en la sociedad de la información, del conocimiento y de las nuevas tecnologías.
Pero aquí nos asalta una duda, ¿Qué busca el arte con la investigación – creación? Para dar una respuesta inicial, la creación es el ámbito que toma la comunidad de artistas para generar conocimiento desde su propia disciplina. Una cosa si es clara, la comunidad artística (en nuestro contexto apenas en estado de consolidación) ha visto la necesidad de encontrar un “caballito de batalla” para hacer frente a la sociedad del conocimiento; pues parece que en esta época cada disciplina desde sus cuerpos teóricos o prácticos deben aportar en la generación del mismo; y en este caso el arte debe cambiar de sentido y transformarse, como lo ha hecho a lo largo de la historia respondiendo a cada contexto y época diferente, además desde su responsabilidad ética, qué aporta a la sociedad?. Y es aquí donde la academia, la institución universitaria entra a validar los discursos originados fuera de ella en la práctica creativa, proponiendo la investigación – creación como método investigativo propio de las artes. Pero surge otra pregunta ¿Puede ser considerado el proceso de creación de una obra artística como producción de conocimiento?
Características del creador - investigador
Dos características principales que se presentan en el creador - investigador es la imaginación elemento conductor de la creatividad. Elementos difusos para el método científico, ya que estas son sinónimo de desorden y parten de la irracionalidad; respecto a lo anterior nos dice Víctor Alvarado Dávila “a pesar de que muchos teóricos reconocen el papel de la experimentación en las artes, algunos de ellos no están satisfechos con que tal experimentación sea movida principalmente por la intuición, o la imaginación o la creatividad, porque tales recursos responden a un proceder desordenado o irracional” , poco o nada se han tenido en cuenta la imaginación y la creatividad en el proceso investigativo, pero no podemos olvidar que de estas se nutre el investigador para dar rienda suelta a su deseo de conocimiento, se potencia la creación. Pero finalmente la imaginación termina siendo una cualidad indispensable tanto al momento de crear como en el proceso investigativo. La imaginación y la creatividad aparecen en estos procesos pero no de manera explícita, ya que como son de carácter difuso, inestable e incontrolable, no es posible esquematizarlas, simplemente fluctúan en el proceso investigativo. Aquí se aboga porque estas características deben ser alimentadas y deben tener más relevancia al momento de abordar una investigación.
La imaginación le da la posibilidad al creador de proyectar o vivenciar mundos fantasiosos para finalmente crear; en palabras de Dávila “Los artistas son peligrosos porque le dan rienda suelta a su imaginación y porque nos contagian con sus historias irreales, de mundos que no existen ni existirán jamás” contrario a lo que plantea el autor, esta puede ser percibida en ocasiones como visiones apocalípticas de lo que puede suceder a futuro, por solo poner un ejemplo la obra de Julio Verne. Por ello un creador – investigador que imagina o proyecta no puede dejar de hacerlo y para que estos proceso de imaginación y creatividad se presenten es necesario un rompimiento de paradigmas, pues debe ir en contra de lo que él mismo ha sido, es decir un sujeto creador investigador, debe tener la capacidad de re-crearse a si mismo, constantemente, cambiar o mutar sus formas de ser, transformarse, saber hacer uso y experimentación de nuevas técnicas, trascenderlas hasta llegar a inaugurar el por – venir. Es decir, el primer reto que tiene el creador - investigador es romper con sus propios esquemas para proponer unos nuevos y diferentes. Principal característica en la investigación el rompimiento de paradigmas.
Los métodos de investigación en las ciencias y humanidades no han tomado esta cualidad como fundamental a la hora de investigar, es por ello que consideramos que la historia de la humanidad ha estado tan marcada por la razón, que ansiamos otras formas de conocimiento del mundo. El uso de la imaginación como parte de estas nuevas formas es un elemento que toma el creador - investigador, ya que el ser humano necesita dar rienda suelta a la sin razón, para despertar en él deseos, instintos, intuiciones, esta es una de las principales herramientas del investigador.
Una segunda cualidad tiene que ver con lo que en su intimidad el proceso creador le aporta al sujeto creador, el autoconocimiento, tomado de la mano de la autorregulación o “Autopoiesis” . A lo largo, este proceso le permite cambiar, mutar constantemente, pero a su vez volver a reflexionar sobre lo sucedido. El proceso creador en el arte, por ser una práctica que se lleva a cabo desde el conocimiento técnico práctico, posibilita al ser humano reflexionar sobre sus propios procesos internos, y así mismo propiciar en el sujeto una especie de reflejo del ser, de lo que es, de sus debilidades y sus cualidades, de sus emociones y sus sentires, de sus oscuridades y deseos a través del objeto creado y de la reflexión constante de sus procesos creativos.
Nos aventuramos a proponer aquí que en los procesos creativos que el arte proporciona al creador, se desarrolla una cierta capacidad de transformación del ser, a partir del conocimiento de sí mismo, y en esta medida podremos afirmar que la investigación – creación podría proporcionar conocimiento para otros. Para lo anterior es indispensable tener en cuenta la propuesta que hace Archer que la investigación, inicialmente debe “responder a un objetivo el conocimiento, y segundo debe ser un proceso sistematizado” . Si el proceso creativo se sistematiza rigurosamente, además de esto posee como objetivo la producción de conocimiento que pueda ser reutilizado por otros investigadores, que estos métodos puedan ser aplicados por otros investigadores, además de estar conformada la comunidad artística que los valide podría el arte declarar que posee un método de investigación – creación, validado.
La investigación creación y sus características
En un primer paso la investigación – creación puede apostar al conocimiento del ser por si mismo a través de la exploración técnica artística. En las Ciencias y las humanidades el objeto de estudio está alejado o fuera del sujeto, y Esto alejamiento es necesario para poder comprenderlo. Pero, ¿Qué pasa si el objeto de conocimiento es el mismo ser, sujeto y objeto a la vez?. En algún momento alguien citó que el ser humano no ha podido trascender o cambiar sus formas ancestrales de convivencia entre seres humanos, hacia nuevas formas que le hagan la vida más fácil y llevadera con los suyos, con los de su misma especie, y en esa ocasión mencionó que no existe ninguna diferencia entre un hombre de las cavernas que arrastra del pelo a una hembra de su misma especie y un hombre de nuestra época que trata a golpes a su mujer, porque no existe una disciplina que le ayude a trascender al ser humano en su desarrollo interno y en sus relaciones con los demás?
La propuesta que se hace aquí un tanto atrevida será por la posibilidad que presenta la creación en el arte como forma de investigación y generación de conocimiento del propio accionar humano, desde una nueva forma de investigar en donde el sujeto sea objeto de estudio y sujeto investigador a la vez, es decir, arte y parte del problema a investigar. En donde no es solo el producto (obra de arte, práctica artística), sea lo relevante, sino también el proceso de transformación que sufre el creador y los sucesos que se presentan a través de la investigación.
Sabemos que esta ha sido la búsqueda en oriente, y que las ciencias sociales y humanas han enfocado su visión a este objeto de estudio, en disciplinas como la sociología y la antropología pero “Sus investigaciones ha sido regidas por el argumento lógico” los siguientes autores han aportado algunos elementos diferentes como lo dice Fatina Saikaly “la ciencia ha colectado un cuerpo de conocimiento teórico, las humanidades un cuerpo interpretativo, la tercer área la diseñística ha recogido un cuerpo de conocimiento práctico basado e la sensibilidad, invención, validación e implementación” , y Archer nos dice que para mirar la naturaleza subjetiva de las actividades artísticas es necesario que el autor haga claridad de su punto de vista teórico es decir su ideología, “la ideología es un sistema global de explicación o interpretativo que sirve para hacer que el mundo sea mas inteligible para los que se inscriben el él” . Este es un punto de partida que Archer propone, a nuestro modo de ver para que un creador – investigador pueda fundamentar sus investigaciones desde la subjetividad.
Para darle claridad al asunto traeremos dos preguntas que hace el autor Findel A. sobre el objeto de estudio en que deben centrarse las disciplinas “¿Cuales son los fenómenos del mundo que nosotros estamos interesados en observar y entender que no son ya “propiedad” de otras disciplinas? Y ¿Qué intentamos decir acerca de ese fenómeno que es desconocido aún y las otras disciplinas no conocen y que al menos el diseño clama por conocer mejor?” . En este caso centraríamos las preguntas en el campo de las artes, preguntas muy pertinentes, pues a través del proceso creativo en un trabajo artístico, existen pasos a seguir que pueden ser considerados estrategias metodológicas de la investigación acción, es decir, el accionar humano interviene sobre la investigación.
Según Bruce Archer existen los siguientes grados de investigación en las artes:
1. La expresión a través de los medios adecuados.
2. La reflexión creativa sobre la experiencia humana.
3. Interpretación cualitativa del pensamiento humano en la expresión.
4. Los juicios de valor
5. La exploración de valores de verdad en el texto.
6. La clasificación de ideas, personas, casos y eventos.
7. La identificación de la procedencia de comentarios sobre las ideas las personas, las cosas y los sucesos.
Pero para que la práctica del arte sea considerada investigación debe cumplir con una sistematización rigurosa, los resultados deben ser publicados y compartidos por la comunidad artística, pero es necesario mencionar que esto sucede pocas veces dentro de la comunidad artística, pues por ser el arte de naturaleza práctica se ha generalizado el pensamiento que los artistas no deben escribir o argumentar lo que se hace en la práctica del arte. A nuestro modo de ver esta es una verdadera limitante, aunque este pensamiento está empezando a cambiar en nuestro contexto. Archer también concluye en el documento mencionado que pocos casos se han presentado como exitosos con estos criterios.
Quedamos en deuda de abordar el método a seguir en la investigación – creación.
FUENTES CONSULTADAS
- Archer B. (1995). “The Nature of Research”, en Co – design. Interdisciplinary Journal of Design, January 1995, pp 6-13
- Dávila, V. A. “Cuestiones Estéticas de la Investigación en Artes”. http://encontrarte.aporrea.org/media/66/enlasartes.pdf recuperado: el 9 de marzo de 2009
- Findeli, A. (2008). “Research Through Design and transdisciplinarity: A tentative Contribution to the methodology of Desing Research”. En Swiss Design network symposium, 2008 pp. 67/91.
- Huertas, M. (2008). ”Notas sobre la relación entre prácticas artísticas e institución universitaria”. Moderno Contemporáneo: un debate de horizontes. Medellín: la carreta Editores.
- Maturana, H. y Varela J. F. (1998). “De máquinas y seres vivos. Autopoiesis: la organización de lo vivo”. Santiago de Chile: Editorial Universitaria S.A
- Saikaly, F. (2005). “Approaches to Design Research: Towards the Designerly Way” en Design System Evlolution: 6th European Academy of Design Conference, Bremen, 29 – 31 March 2005, (en línea), disponible en: http://www.verhaag.net/ead06/fulllpapers/ead06_id187 _2.pdf recuperado: el 29 de septiembre de 2007
La investigación - creación en las artes hoy es un método muy utilizado por las instituciones académicas de artes; este documento pretende dar algunas luces sobre las principales características de la investigación creación, tomando como referencia el documento “La naturaleza de la investigación” del autor Bruce Archer. El documento inicia haciendo un análisis de la triada que conforma el arte, artista, obra, espectador, y de sus implicaciones en la investigación creación, para terminar ofreciendo algunas características que debe poseer un creador como investigador.
Palabras claves
Investigación – creación, artes, método investigativo, sujeto, imaginación y creatividad.
Introducción
Este documento pretende hacer un análisis de lo que significa la investigación- creación en las artes, partiendo de la propuesta sobre la investigación que hace el autor Bruce Archer en su documento, “La naturaleza de la Investigación” . Es bueno aclarar de entrada que la investigación – creación es un discurso nuevo en el ámbito de las artes y de las academias de artes. Este es un intento por tratar de aportar y comprender este fenómeno.
Teniendo en cuenta que la investigación – creación aún no es considerado un método investigativo propio del ámbito de las artes, a nuestro modo de ver es una manera a través de la cual el campo del arte pretende: a) estar al nivel de la comunidad académica y científica frente al debate sobre la generación de conocimiento desde el campo de las artes, b) consolidar una comunidad académica artística para las artes, tarea ardua y difícil, por el pensamiento generalizado de que el artista es individualista, y solitario, y por esta razón se le dificulta crear comunidad y c) Esta forma investigativa toma prestados métodos de investigación de las Ciencias Sociales, hecho que ha traído consigo que la comunidad artística asuma la investigación - creación como un método investigativo propio.
Frente a lo anterior se plantea la pregunta ¿La investigación creación puede ser considerada un método de investigación generadora de conocimiento? Para dar respuesta a lo anterior trataremos de dar una mirada general a lo que ha significado la triada del El arte: el creador, la obra de arte y el espectador; y de sus implicaciones en la investigación creación, posteriormente se hace una aproximación a las características que debe posee el creador para a ser investigador y finalmente un acercamiento a las principales características de la investigación creación desde la teoría de Bruce Archer.
La triada creador, obra, espectador
Para poder realizar un análisis de lo que sucede con la investigación – creación en el arte, tendremos que mencionar tres elementos que han estado presentes en el acontecer del Arte, sin ellos el arte no habría podido ser y existir durante la historia. Ellos son el sujeto creador o artista, el objeto o práctica artística y el espectador o público quien recibe la obra o propuesta artística. Hay que aclarar que estos términos han cambiado dependiendo de la época en la que se desarrollan. Sin embargo es claro que esta triada no puede ser apartada y dependen los unos de los otros para poder ser, no hay obra sin creador, no hay obra sin espectador pero no hay creador sin obra.
Estos tres elementos a lo largo de la historia, ha prevalecido uno u otro sobre los demás, y se han tejido relaciones, que han dado relevancia a lo que conocemos como arte en términos generales. De lo que se trata aquí es de sentar algunas bases para la comprensión y formalización respecto a la investigación – creación, para lo cual entender estos tres elementos es indispensable además de comprender su unidad.
Veamos como sucede esto, en la historia en la época renacentista Miguel Ángel o Leonardo por mencionar solo dos nombres de artistas de la época, sobresalían por sus habilidades, por sus conocimientos, y por lo que crearon para su época. En este caso su hacer los representaba, pero además de esto también lo era el cúmulo de conocimientos que podía poseer un solo hombre, ellos fueron creadores, inventores y desarrollaron multiplicidad de facetas. Estas características permitieron que en esta época el arte se acercara un poco a lo que era la ciencia, además fue considerado como ciencia, por los conocimientos que este podía producir, para mencionar un ejemplo la perspectiva, daba cuenta de la compresión de la tridimensionalidad del espacio físico en el plano bidimensional. Para hacer claridad, en nuestro tiempo no solo el artista es el creador, también lo son quienes asisten a la obra, esto lo desarrollaremos mas adelante.
Pero un poco más avanzados en la historia en el siglo XX es la obra de arte es la protagonista, el Guernica de Picasso significó mucho para su época, por lo que lograba representar para una cultura como la española en una época de convulsiones y problemáticas civiles. Aquí el valor de la obra está dada por lo que transmitía o comunicaba, no por el nombre de su creador, por los valores culturales que poseía para un contexto en particular. Generaba un tipo de conocimiento sobre el contexto local y aún hoy muchas de las obras de arte nos informan sobre los sucesos de alguna cultura o momento de la historia en particular. La obra de arte producía un tipo de conocimiento desde su materialidad, para quien estaba en frente de ella.
Para nuestra época, me atrevería a decir, el arte ya no interesa por lo que representa, o por lo que puede significar sino por las múltiples relaciones, posibilidades y experiencias que puede ofrecer a quién la percibe, o las conexiones que puede tejer el participante a través de ella. Es decir su corpus significante, su sintaxis interna, sus cualidades formales y manejos técnicos presenta multiplicidad de caminos, experiencias, interacciones y percepciones para quien participa del evento. Nos referimos exclusivamente a las propuestas con componentes de interactividad, creaciones electrónicas o propuestas digitales, en las que el espectador es quien elabora, termina, complementa, y vivencia la obra. Ya no es algo para ver y contemplar, las propuestas artísticas presentan momentos, ambientes, eventos, y vivencias tal vez imposibles en la realidad, que activan la presencia de quien está enfrente. En este sentido el arte de nuestra época tiene la capacidad de producir no solo emociones, sino de generar nuevos acontecimientos tanto para quien la crea como para quien la presencia. Es aquí donde el arte es detonante de nuevas experiencias inimaginadas, que le permite a quien las presencia ser co –creador, esto trae consigo nuevos aprendizajes, nuevos conocimientos.
Es por lo anterior que se concluye que asistimos a un momento histórico en el que el arte cambia su sentido, sus maneras de ser, sus técnicas, como resultado de una época con características propias, se transforma y los elementos que lo componen dejan de ser una triada y unidad para dar paso y entrada a otros componentes que le aportan nuevos valores en la sociedad de la información, del conocimiento y de las nuevas tecnologías.
Pero aquí nos asalta una duda, ¿Qué busca el arte con la investigación – creación? Para dar una respuesta inicial, la creación es el ámbito que toma la comunidad de artistas para generar conocimiento desde su propia disciplina. Una cosa si es clara, la comunidad artística (en nuestro contexto apenas en estado de consolidación) ha visto la necesidad de encontrar un “caballito de batalla” para hacer frente a la sociedad del conocimiento; pues parece que en esta época cada disciplina desde sus cuerpos teóricos o prácticos deben aportar en la generación del mismo; y en este caso el arte debe cambiar de sentido y transformarse, como lo ha hecho a lo largo de la historia respondiendo a cada contexto y época diferente, además desde su responsabilidad ética, qué aporta a la sociedad?. Y es aquí donde la academia, la institución universitaria entra a validar los discursos originados fuera de ella en la práctica creativa, proponiendo la investigación – creación como método investigativo propio de las artes. Pero surge otra pregunta ¿Puede ser considerado el proceso de creación de una obra artística como producción de conocimiento?
Características del creador - investigador
Dos características principales que se presentan en el creador - investigador es la imaginación elemento conductor de la creatividad. Elementos difusos para el método científico, ya que estas son sinónimo de desorden y parten de la irracionalidad; respecto a lo anterior nos dice Víctor Alvarado Dávila “a pesar de que muchos teóricos reconocen el papel de la experimentación en las artes, algunos de ellos no están satisfechos con que tal experimentación sea movida principalmente por la intuición, o la imaginación o la creatividad, porque tales recursos responden a un proceder desordenado o irracional” , poco o nada se han tenido en cuenta la imaginación y la creatividad en el proceso investigativo, pero no podemos olvidar que de estas se nutre el investigador para dar rienda suelta a su deseo de conocimiento, se potencia la creación. Pero finalmente la imaginación termina siendo una cualidad indispensable tanto al momento de crear como en el proceso investigativo. La imaginación y la creatividad aparecen en estos procesos pero no de manera explícita, ya que como son de carácter difuso, inestable e incontrolable, no es posible esquematizarlas, simplemente fluctúan en el proceso investigativo. Aquí se aboga porque estas características deben ser alimentadas y deben tener más relevancia al momento de abordar una investigación.
La imaginación le da la posibilidad al creador de proyectar o vivenciar mundos fantasiosos para finalmente crear; en palabras de Dávila “Los artistas son peligrosos porque le dan rienda suelta a su imaginación y porque nos contagian con sus historias irreales, de mundos que no existen ni existirán jamás” contrario a lo que plantea el autor, esta puede ser percibida en ocasiones como visiones apocalípticas de lo que puede suceder a futuro, por solo poner un ejemplo la obra de Julio Verne. Por ello un creador – investigador que imagina o proyecta no puede dejar de hacerlo y para que estos proceso de imaginación y creatividad se presenten es necesario un rompimiento de paradigmas, pues debe ir en contra de lo que él mismo ha sido, es decir un sujeto creador investigador, debe tener la capacidad de re-crearse a si mismo, constantemente, cambiar o mutar sus formas de ser, transformarse, saber hacer uso y experimentación de nuevas técnicas, trascenderlas hasta llegar a inaugurar el por – venir. Es decir, el primer reto que tiene el creador - investigador es romper con sus propios esquemas para proponer unos nuevos y diferentes. Principal característica en la investigación el rompimiento de paradigmas.
Los métodos de investigación en las ciencias y humanidades no han tomado esta cualidad como fundamental a la hora de investigar, es por ello que consideramos que la historia de la humanidad ha estado tan marcada por la razón, que ansiamos otras formas de conocimiento del mundo. El uso de la imaginación como parte de estas nuevas formas es un elemento que toma el creador - investigador, ya que el ser humano necesita dar rienda suelta a la sin razón, para despertar en él deseos, instintos, intuiciones, esta es una de las principales herramientas del investigador.
Una segunda cualidad tiene que ver con lo que en su intimidad el proceso creador le aporta al sujeto creador, el autoconocimiento, tomado de la mano de la autorregulación o “Autopoiesis” . A lo largo, este proceso le permite cambiar, mutar constantemente, pero a su vez volver a reflexionar sobre lo sucedido. El proceso creador en el arte, por ser una práctica que se lleva a cabo desde el conocimiento técnico práctico, posibilita al ser humano reflexionar sobre sus propios procesos internos, y así mismo propiciar en el sujeto una especie de reflejo del ser, de lo que es, de sus debilidades y sus cualidades, de sus emociones y sus sentires, de sus oscuridades y deseos a través del objeto creado y de la reflexión constante de sus procesos creativos.
Nos aventuramos a proponer aquí que en los procesos creativos que el arte proporciona al creador, se desarrolla una cierta capacidad de transformación del ser, a partir del conocimiento de sí mismo, y en esta medida podremos afirmar que la investigación – creación podría proporcionar conocimiento para otros. Para lo anterior es indispensable tener en cuenta la propuesta que hace Archer que la investigación, inicialmente debe “responder a un objetivo el conocimiento, y segundo debe ser un proceso sistematizado” . Si el proceso creativo se sistematiza rigurosamente, además de esto posee como objetivo la producción de conocimiento que pueda ser reutilizado por otros investigadores, que estos métodos puedan ser aplicados por otros investigadores, además de estar conformada la comunidad artística que los valide podría el arte declarar que posee un método de investigación – creación, validado.
La investigación creación y sus características
En un primer paso la investigación – creación puede apostar al conocimiento del ser por si mismo a través de la exploración técnica artística. En las Ciencias y las humanidades el objeto de estudio está alejado o fuera del sujeto, y Esto alejamiento es necesario para poder comprenderlo. Pero, ¿Qué pasa si el objeto de conocimiento es el mismo ser, sujeto y objeto a la vez?. En algún momento alguien citó que el ser humano no ha podido trascender o cambiar sus formas ancestrales de convivencia entre seres humanos, hacia nuevas formas que le hagan la vida más fácil y llevadera con los suyos, con los de su misma especie, y en esa ocasión mencionó que no existe ninguna diferencia entre un hombre de las cavernas que arrastra del pelo a una hembra de su misma especie y un hombre de nuestra época que trata a golpes a su mujer, porque no existe una disciplina que le ayude a trascender al ser humano en su desarrollo interno y en sus relaciones con los demás?
La propuesta que se hace aquí un tanto atrevida será por la posibilidad que presenta la creación en el arte como forma de investigación y generación de conocimiento del propio accionar humano, desde una nueva forma de investigar en donde el sujeto sea objeto de estudio y sujeto investigador a la vez, es decir, arte y parte del problema a investigar. En donde no es solo el producto (obra de arte, práctica artística), sea lo relevante, sino también el proceso de transformación que sufre el creador y los sucesos que se presentan a través de la investigación.
Sabemos que esta ha sido la búsqueda en oriente, y que las ciencias sociales y humanas han enfocado su visión a este objeto de estudio, en disciplinas como la sociología y la antropología pero “Sus investigaciones ha sido regidas por el argumento lógico” los siguientes autores han aportado algunos elementos diferentes como lo dice Fatina Saikaly “la ciencia ha colectado un cuerpo de conocimiento teórico, las humanidades un cuerpo interpretativo, la tercer área la diseñística ha recogido un cuerpo de conocimiento práctico basado e la sensibilidad, invención, validación e implementación” , y Archer nos dice que para mirar la naturaleza subjetiva de las actividades artísticas es necesario que el autor haga claridad de su punto de vista teórico es decir su ideología, “la ideología es un sistema global de explicación o interpretativo que sirve para hacer que el mundo sea mas inteligible para los que se inscriben el él” . Este es un punto de partida que Archer propone, a nuestro modo de ver para que un creador – investigador pueda fundamentar sus investigaciones desde la subjetividad.
Para darle claridad al asunto traeremos dos preguntas que hace el autor Findel A. sobre el objeto de estudio en que deben centrarse las disciplinas “¿Cuales son los fenómenos del mundo que nosotros estamos interesados en observar y entender que no son ya “propiedad” de otras disciplinas? Y ¿Qué intentamos decir acerca de ese fenómeno que es desconocido aún y las otras disciplinas no conocen y que al menos el diseño clama por conocer mejor?” . En este caso centraríamos las preguntas en el campo de las artes, preguntas muy pertinentes, pues a través del proceso creativo en un trabajo artístico, existen pasos a seguir que pueden ser considerados estrategias metodológicas de la investigación acción, es decir, el accionar humano interviene sobre la investigación.
Según Bruce Archer existen los siguientes grados de investigación en las artes:
1. La expresión a través de los medios adecuados.
2. La reflexión creativa sobre la experiencia humana.
3. Interpretación cualitativa del pensamiento humano en la expresión.
4. Los juicios de valor
5. La exploración de valores de verdad en el texto.
6. La clasificación de ideas, personas, casos y eventos.
7. La identificación de la procedencia de comentarios sobre las ideas las personas, las cosas y los sucesos.
Pero para que la práctica del arte sea considerada investigación debe cumplir con una sistematización rigurosa, los resultados deben ser publicados y compartidos por la comunidad artística, pero es necesario mencionar que esto sucede pocas veces dentro de la comunidad artística, pues por ser el arte de naturaleza práctica se ha generalizado el pensamiento que los artistas no deben escribir o argumentar lo que se hace en la práctica del arte. A nuestro modo de ver esta es una verdadera limitante, aunque este pensamiento está empezando a cambiar en nuestro contexto. Archer también concluye en el documento mencionado que pocos casos se han presentado como exitosos con estos criterios.
Quedamos en deuda de abordar el método a seguir en la investigación – creación.
FUENTES CONSULTADAS
- Archer B. (1995). “The Nature of Research”, en Co – design. Interdisciplinary Journal of Design, January 1995, pp 6-13
- Dávila, V. A. “Cuestiones Estéticas de la Investigación en Artes”. http://encontrarte.aporrea.org/media/66/enlasartes.pdf recuperado: el 9 de marzo de 2009
- Findeli, A. (2008). “Research Through Design and transdisciplinarity: A tentative Contribution to the methodology of Desing Research”. En Swiss Design network symposium, 2008 pp. 67/91.
- Huertas, M. (2008). ”Notas sobre la relación entre prácticas artísticas e institución universitaria”. Moderno Contemporáneo: un debate de horizontes. Medellín: la carreta Editores.
- Maturana, H. y Varela J. F. (1998). “De máquinas y seres vivos. Autopoiesis: la organización de lo vivo”. Santiago de Chile: Editorial Universitaria S.A
- Saikaly, F. (2005). “Approaches to Design Research: Towards the Designerly Way” en Design System Evlolution: 6th European Academy of Design Conference, Bremen, 29 – 31 March 2005, (en línea), disponible en: http://www.verhaag.net/ead06/fulllpapers/ead06_id187 _2.pdf recuperado: el 29 de septiembre de 2007
9 de noviembre de 2007
ARTE, PEDAGOGÍA Y EDUCACIÓN EN AMÉRICA LATINA
ARTE, PEDAGOGÍA Y EDUCACIÓN EN AMÉRICA LATINA
www.franciscoparrac.blogspot.com
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EL PENSAMIENTO VISUAL Y CREATIVO
Una de las primeras preguntas que surgen al iniciar la reflexión para realizar el siguiente documento, parte de la experiencia docente que se ha vivido y es precisamente la utilización del modelo en las clases de dibujo. La pregunta es ¿Qué tiene que ver el modelo en una clase de dibujo con la Educación?. Pues bien, es a raíz del análisis y la búsqueda de un cambio metodológico para la enseñanza de la Educación artística, que surge la siguiente pregunta, ¿es obligatorio, imperativo, y necesario utilizar modelos como referente para la enseñanza en la Educación Artística? Cuando ampliamos esta pregunta a otras esferas, nos lleva a pensar obligatoriamente la noción de modelo y los usos y aplicaciones que tienen estos en diversos campos o ámbitos, a nivel económico, político, social, cultural, y en el ámbito Educativo; modelos surgidos en otros lugares, y las implicaciones que traen consigo en el desarrollo cultural de las sociedades de América latina.
El modelo aquí es asumido como aquel que tiene que ver con algo a lo cual seguir, con lo cual guiarse, algo que se puede imitar y en el ámbito del arte, algo que se puede copiar. En muchas ocasiones y en muchos campos la existencia de modelos ha permitido el progreso, el conocimiento y la comprensión de sistemas o fenómenos muy complejos, pero en otros casos la utilización de modelos no depende solamente de la aplicación del mismo, sino también, del medio o contexto en el que se aplique, como lo mencionaba Mora Osejo y Fals Borda “…no siempre resultan apropiados para concebir soluciones surgidas en nuestro medio” .
Es esta la excusa que nos lleva un poco más allá, nos lleva a trascender el problema del modelo y penetrar otros campos en donde nos planteamos la necesidad de cuestionarnos sobre el cómo estamos llevando a cabo nuestros procesos educativos, en términos de si estamos cumpliendo con nuestra labor, buscando soluciones a problemáticas propias, a partir de tácticas propias; o si por el contrario estamos aplicando estrategias que en otros lugares han realizado pero que difieren en cuanto al contexto y a la realidad social en que vivimos. La pregunta por el modelo genera y sugiere la preocupación del ¿cómo construir nuestras propias nociones de arte y educación, que sean coherentes con nuestras realidades y necesidades sociales? Partiendo de estas preguntas se pretende entrar en una reflexión alrededor de las dimensiones Arte y Educación, sobre las relaciones que se tejen entre las mismas, con el fin de aclarar algunas nociones existentes, referentes a lo artístico y lo cultural; para desde allí ver cómo se traslapan, cómo se tocan en la práctica cultura y educación, y cómo se aporta desde el campo educativo en la construcción de nuestra cultura; asumiendo la escuela como mundo cultural y político, como lugar que hace posible el desarrollo cultural individual y colectivo, además, a manera de micromundo donde se ven reflejadas las problemáticas que suceden a nivel macro.
Es bien sabido por todos que una de las herencias que ha legado la modernidad, es el desarrollo del pensamiento racional, que ha marcado la mayor parte de los avances tecnológicos y el desarrollo de conocimientos que se han generado en la historia de las sociedades. Pero surgen preguntas a lo que el proyecto de la modernidad dejó enraizado. Pensamos, de forma racional así mismo leemos y escribimos; pero la verdad es el ser humano posee diversas formas de manifestarse, afectivamente y emocionalmente.
Sumado a lo anterior nos encontramos sumergidos en una cultura que constantemente está bombardeada por la imagen, aunque la era de la imagen parece haber pasado ya, más que sentirnos bombardeados por imágenes, creemos que esta es una forma diferente de ser y aprehender el mundo, desde lo visual, desde la imagen, desde allí se percibe el mundo y además también se aprende. Proliferan juegos de video, computadores, el Internet y demás medios visuales que hacen la vida más rápida, dinámica, activa y acuciosa, y en muchas ocasiones se nos hace incomprensible los cambios tan drásticos y rápidos que suceden en nuestras sociedades, pero es realidad la era de la imagen, la sociedad de la información y el conocimiento.
E arte posee una manera de ser propia intrínseca y empírica, diferente a otras disciplinas, desde la práctica, y que puede ser enseñada. Existen estrategias metodológicas que han desarrollado con el tiempo maestros artistas y pedagogos desde el manejo técnico plástico, hasta la búsqueda de la comprensión de los mas profundos sentimientos y actuaciones del ser humano desde la psicología; desde los cuales el ser humano aprehende y le da sentido al mundo y a su existencia. Surge entonces la inquietud por preguntar si entre estas estrategias de enseñanza puede ser desarrollados algunos métodos en donde se priorice el desarrollo del pensamiento visual y creativo, pues se cree que es a través de la imagen que nos comunicamos en esta época, hacemos y proponemos múltiples realidades, posibles o no. La imagen influencia nuestras vidas de tal manera que comienza a dar sentido a la misma, porque no preguntarnos cómo aprender con ella. Frente a lo anterior Garcia Canclini nos dice “La diferencia entre la ciencia y el arte, no es la distancia entre lo racional y lo prerracional, sino entre dos tipos de pensamiento, uno que se expresa en conceptos y otro sumergido en imágenes” .
Es desde el entendimiento del contexto y la cultura donde se ha creado la imagen, que nos apoyamos para desarrollar conocimiento, también a través de diversas maneras, perceptivas visuales, táctiles, olfativas incluso a partir del oído como lo hace la música, otras veces implementando métodos surgidos de la antropología, la sociología y demás ciencias humanas, pero que conjugados, reúnen ciertas herramientas para la comprensión de lo que sucede, pues es claro que el arte no solo es una forma de esparcimiento, de ocupar el tiempo libre o en otros casos una forma decorativa, sino la manera a través de la cual la cultura se materializa. El arte es un modo de sentar una posición política y crítica a través de la cual el artista o el practicante del arte muestran o explicitan facetas del mundo y las sociedades, que no se hacen explícitas en esferas de poder en donde ideologías políticas o modelos económicos marcan la pauta y llevan la batuta del desarrollo social.
Con este primer acercamiento a lo que es nuestra manera de vivir en sociedad, se pretende posicionar el pensamiento visual y creativo como una forma de generación de conocimiento, de aprehensión del mundo, en la búsqueda de la comprensión y el desarrollo íntegro del ser humano, que de respuestas a la búsqueda del equilibrio que siempre se ha planteado entre razón y emoción, racionalidad e irracionalidad, es decir, sin hallar puntos de escisión entre las formas de las ciencias y el arte, “una teoría del arte capaz de trascender el antagonismo entre pensamiento e intuición, podría contribuir a reelaborar los dilemas de un inicio de siglo, cuando todas las estructuras socioculturales se desestabilizan y nos preguntamos si es posible construir imaginarios que no desemboquen en furores irracionales” . Cabe aclarar que esto está apenas en construcción en el campo de la pedagogía artística.
RECONOCIMIENTO DE DOS PEDAGOGÍAS,
LA PEDAGOGÍA DIREFENCIADA Y LA PEDAGOGÍA AFECTIVA
PEDAGOGÍA DIFERENCIADA
Haciendo uso de un enfoque pedagógico denominado Pedagogía diferenciada en donde se expone que “es una nueva tendencia en el espacio educativo. Se caracteriza por tratar de respetar las capacidades y competencias del individuo, las cuales anteceden a todo acto de aprendizaje. Se apoya, igualmente en el obstáculo epistemológico, tal como lo plantea Bachelard. Trata de pensar al alumno antes de actuar, sobre la base teórica que dice que cada estudiante aprende de manera distinta: cada alumno genera estrategias de aprendizaje diferenciadas. ” y continúa diciendo “De igual modo, este modelo de pedagogía se inscribe dentro de una línea de acercamiento al trabajo con el alumno, advierte la diferencia como un factor que dinamiza y acerca” . Como lo menciona Zambrano Leal la pedagogía diferenciada busca fortalecer la autonomía partiendo de la diferencia de realidades de los estudiantes, desde la historia de vida de cada uno, de sus propias experiencias hacia la búsqueda de un proyecto de vida que le de sentido y nuevas significaciones, principio de realidad, darse cuenta de… a través del diálogo y la reflexión individual y conjunta; en la búsqueda de interlocución, e interpretación, con el fin de verse reflejado en la experiencia del otro y comprensión de su modo de ser en el mundo. Comprensión sobre la diferencia. La labor del docente está encaminada a la capacidad de escucha, y la comprensión de su estudiante, de ser interlocutor y mediador que acerca y reflexiona. Utiliza la antropología y la filosofía como elementos enlazadores de diversos mundos y la acción comunicativa y discursiva en búsqueda de co – educabilidad.
Este enfoque pedagógico puede ser aplicado dentro del aula y el trabajo con niños. Como lo menciona el autor en su texto busca rescatar al individuo desde la diferencia. Anuncia mil formas de aprendizaje que se pueden encontrar al interior del aula de clases, estas tanto como estudiantes existan, pues cada personita es diferente y tiene su propio ritmo de aprendizaje, en un taller de educación artística se pretende partir de la vida de cada estudiante, para darle de sentido a la misma. No busca hacer hincapié en el trabajo individualizado, pero si de posibles encuentros entre alumno y docente. También el trabajo en grupo, es contemplado como un proceso de aprendizaje óptimo, la construcción en grupo tiene como finalidad el diálogo, el encuentro, entendimiento y comprensión del otro.
PEDAGOGÍA AFECTIVA
Planteada por Miguel de Zubiría en su libro Enfoques pedagógicos y didácticas contemporáneas, dice “En efecto, los sentimientos y su educación, la educación sentimental, no es cuestión para telenovela, como de ocasión se presenta, sino el núcleo de una educación humana, humanista, orientada no a formar futuros trabajadores, sino mejores seres humanos integrales” “Postula tres áreas fundamentales: el amor a sí mismo, el amor a los otros y el amor al mundo y al conocimiento. Las enseñanzas difieren del propósito formar individuos felices, al plasmar y precisar el propósito y al hacerlo accesible educativamente. En el orden evolutivo son cinco instituciones mediadores socioculturales que aportan al propósito general de la pedagogía afectiva: La familia, el colegio, los amigos, la pareja, y el trabajo” Pretendemos entonces fortalecer la autoestima del niño, nos proponemos que el sujeto sea conciente de sus emociones, sentires, y afecciones y tenga la capacidad de utilizarlos a su favor en el momento de la experiencia artística creativa. Se intenta así que el estudiante recobre la confianza en sí mismo para conseguir un mejor desenvolvimiento en el proceso creativo plástico, a través del reconocimiento constante de la propia experiencia valorándola de forma individual y única, para así valorar la experiencia de los otros, desarrollar la capacidad y la conciencia para sentirse afectado por la experiencia de un par. Desarrollar la capacidad de escucha, de diálogo y de comunicación de emociones, en los niños con el fin de encontrar salidas, modos de ver el mundo y resignificaciones de este desde lo grupal y colectivo. El docente debe ser mediador para llevar por el camino de la comprensión y descubrimiento de emociones y sensaciones guardadas.
Principios rectores
- No hay dibujos buenos ni malos, solo se trata de la forma de dibujar de cada persona
- Teniendo en cuenta lo anterior, el docente debe abstenerse de dar juicios de valor sobre lo bueno o lo malo, lo verdadero o la mentira de los dibujos presentados en la clase, debe enfocarse en hacer ver los aciertos en el dibujo más que los errores, y potenciar estos aciertos.
- El diálogo y la comunicación entre docente estudiante y entre estos son elementos primordiales dentro del taller
- No solo el criterio del docente es válido, también el de los estudiantes, es decir, entre compañeros pueden haber críticas constructivas que deben ser tenidas en cuenta al momento de la evaluación.
- En el taller se pretende como objetivo primordial afianzar la confianza y la autonomía del estudiante sobre si mismo.
- La capacidad de escucha es una característica que deben poseer tanto el docente, como los estudiantes. Escuchar para ser escuchado debe ser una lección constante dentro del proceso de aprendizaje.
SOBRE LA LABOR DEL DOCENTE EN EL PROCESO DE
ENSEÑABILIDAD Y EDUCABILIDAD
• El asumir con voluntad el proceso de formación de un sujeto es la principal cualidad que debe poseer un docente al interior del aula. Unido a esto se deben tener en cuenta dos características principales, el ser docente y el ser artista, uno conlleva a la acción del otro dentro del taller.
• Es importante aclarar que cada ejercicio que va a ser propuesto a un grupo niños, debe ser desarrollado y aplicado con anterioridad por el docente, de esta manera se puede llevar un proceso en el cual el proceso creativo sea claro para el niño,
• La relación docente estudiante debe ser horizontal, la idea mantener el respeto y disciplina en el aula pero no a través del miedo, sino a través del diálogo. El respeto y la autoridad no se negocia, pero si pueden ser flexibles dependiendo del pensamiento del docente, a partir del diálogo y la interpelación que unos niños pueden hacer sobre otros.
• Es importante conocer la vivencia de estudiante las situaciones más importantes de su vida, el conocimiento pues esta será materia prima al iniciarse en la expresión creativa. Constantemente preguntar y conversar con el estudiante, es la única manera de acercarse a él y conocerlo afectivamente. Pero no sólo hablar, el sentir interés por conocer la personita que está en frente, lo hará sentirse mas querido y él verá que es importante para el docente. Se ha concluido que la escuela más que un lugar de aprendizaje, este espacio es propicio para la expresión, la creación el diálogo y el tejido de relaciones, donde confluyen estas mismas nociones para metamorfosearse al son del ser humano, el pensamiento y el conocimiento del mismo.
• Dentro del proceso de enseñanza aprendizaje algunas veces se presentan momentos en los cuales no se sabe por donde continuar, lo importante reside en la capacidad de reflexionar constante sobre el hecho pedagógico y a su vez llevarlo a la escritura. En cada momento en la labor docente se presentan incertidumbres que con llevan a la zozobra y es menester del docente buscar el camino a seguir, esto produce desgaste e insatisfacción al ver el camino un poco nublado, pero ayuda a continuar adelante con la reflexión y el que hacer pedagógico.
CONCEPTOS BÁSICOS PARA LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA,
formación artística, juego, experiencia plástica y creatividad
En la Educación artística: Existe un proceso formativo, a través del cual el niño aprehende el mundo. En este intervienen sus experiencias propias de vida, estas se manifiestan a partir de la experimentación artística o en este caso plástica. Hay que aclarar que es un proceso de aprendizaje constante en donde el niño revela su relación y compresión del mundo a través del manejo de unos materiales que se manifiestan en formas, colores, texturas sobre soportes y demás elementos que componen las disciplinas de las artes plásticas y de otras artes, es decir, a través del cuerpo en las artes escénicas o el juego dramático, la escritura en el caso de la literatura o la notación musical.
No se debe olvidar que es a través del la Educación artística que se da el aprendizaje a través del desarrollo conciente de los sentidos, pues a diferencia de otras áreas, la artística permite el conocimiento del mundo desde el desarrollo de la sensibilidad y la experiencia corporal.
En nuestros contextos educativos, en la práctica de la Educación artística intervienen tanto las manualidades como la artesanía, (estas son solo algunas formas de expresión artística propias, es decir, de nuestras regiones) pero en la mayoría de los casos se sacrifica la experiencia intrapersonal o de aprendizaje a través del manejo plástico por hacer llegar al niño a la culminación de un objeto con propósitos utilitarios. En otros casos el empleo de las manualidades se hace como recurso para pasar el rato, descartando su importancia y desconociendo su objetivo o como pasa en las academias de educación superior, por la elaboración de una obra de arte, desplazando la importancia de esta sólo al objeto creado.
De entrada es necesario mencionar algunos aspectos que sobre tejen el tapete en donde se apoya la Educación Artística. “El que exista la Educación Artística en teoría en el currículo no implica que exista la enseñanza artística en la práctica” . Pues en la práctica se sabe que existen otras áreas del conocimiento que ocupan la mayor parte del tiempo del aprendizaje, como son las Matemáticas, la biología, el español. Además, a esto se le suma la falta de docentes capacitados y formados en el área, que tengan el conocimiento suficiente para la utilización de métodos y contenidos que sean novedosos y no obsoletos, además que se den a la tarea de entender primero qué es el arte, antes de enseñarlo.
Otro aspecto es que no se alcanza a vislumbrar la importancia de la enseñanza - aprendizaje a través de las artes, porque el pensamiento generalizado es que la artística es una actividad para pasar el rato, como hobby, y en el mejor de los casos como desarrollo de habilidades técnicas, de la cual no se genera conocimiento útil, pues se espera, en suma que todo se convierta en conocimiento. El conocimiento que se genera en artes en nuestro contexto se entiende a la luz de Teresa Wargner “pero por conocimiento se entiende un cierto saber neutralizado de fórmulas, asimilable a un producto, manipulable, pragmático y utilitario” . Esto hace que la educación artística pase a un segundo lugar en la lista de actividades importantes para la persona, y por ello cuando los estudiantes se gradúan un porcentaje mínimo decide estudiar o continuar un programa Universitario en el campo artístico.
Se debe mencionar también, que el sistema educativo en el que nos encontramos no responde a las necesidades del medio, y que aunque posee lineamientos claros a seguir, le hace falta mecanismos y estrategias por medio de los cuales se hagan cumplir dichos lineamientos. El aspecto mas preocupante de la Educación Artística tal vez, es que el conocimiento del ser sobre sí mismo, su relación con el mundo y sus modos de comprenderlo no son cuestiones de las cuales la escuela deba ocuparse, pues esta, con su entramado de métodos, modelos, pedagogías y didácticas ha olvidado que el encuentro del sentido de la vida, está en su que hacer diario y la finalidad del aprendizaje se da partiendo de la experiencia del ser consigo mismo y con los otros. Es por ello que la educación se ha basado finalmente en la transmisión de conocimientos que poco o nada dejan ver al ser humano que los recibe pues se queda tras ellos. Se debe recordar que “posiblemente la clase de Educación Artística es la única en donde la experiencia integral de la persona es necesariamente tenida en cuenta; frente a otras asignaturas, que poseen un objetivo central de transmitir y fijar una información específica”
EL Juego
El juego es el modo mas atrayente quizás el único a través del cual el niño aprende el mundo y se relaciona con los demás, de una forma divertida y placentera pero a parte de ello “el juego desarrolla creatividad, competencia intelectual, fortaleza emocional, estabilidad, sentimiento, de júbilo y placer” para el niño es el medio mas eficaz de desarrollo cognitivo mientras que para los adultos deja de ser el medio mas importante de incremento cognitivo y crecimiento; tanto, que la seriedad que poseen las vidas de los docentes a pasado a ser parte de la educabilidad en la escuela, de manera que el ambiente que rodea a los niños se ha convertido en algo demasiado serio.
En el juego se permite tal libertad que nos lleva desde la imaginación y la fantasía a crear situaciones y momentos inusitados, que pueden preparar a un niño frente a situaciones que vivirá en algún momento de su vida; como lo menciona Zambrano Leal “Es por ello que el juego brinda situaciones en donde se pueden practicar destrezas, tanto físicas como mentales, repitiéndolas tantas veces como sea necesario para conseguir confianza y dominio, permitiendo explorar las propias potencialidades y limitaciones” .
El juego no debe ser asumido como falta de seriedad, pues no hay nada más serio que respetar las reglas de un juego las cuales se dan a manera de pacto previo entre los jugadores. Es el medio comunicativo más eficaz en el mundo de la escuela. Lo que se debe tomar con seriedad es la implementación constante de este al iniciar experiencias artísticas como método primordial de crecimiento y aprendizaje.
La Experiencia
La experiencia que proporcionan las actividades artísticas no las tiene ninguna otra, pues por la variabilidad de las mismas estás poseen características, que permiten la creación de ambientes y actividades en las cuales entran a formar parte relevante el juego, la creatividad, la creación plástica entre otros elementos. Esos elementos ofrecen a los niños multiplicidad de experiencias de las cuales ellos aprenden, y desarrollan cualidades como: la imaginación, la creatividad, el pensamiento divergente, la sensibilidad, la construcción colectiva etc. Y se desenvuelven con más facilidad en la escuela es un aprendizaje continuo.
La creatividad necesariamente involucra la capacidad que posee cada persona de reinventarse diariamente, teniendo en cuenta sus cambios internos, personales y readaptándose al medio con nuevas formas o modos de ser o pensar, esto tiene que ver directamente con el rompimiento de paradigmas.
Se refiere a una capacidad puesta en acción en cualquier momento o situación de la vida. Un ejemplo simple podría ser la manera como una persona soluciona un problema en el cual se encuentra envuelto, pero con la cualidad de poder proponer dos o tres formas distintas de salir del mismo problema. Ser creativo tiene que ver con el rompimiento de los propios límites que tejemos a nuestro alrededor, del arrojo o el coraje para enfrentarnos a lo desconocido, y de la apertura a lo novedoso, sin temer a los cambios que ello puede traer consigo.
Para la creatividad los niños son expertos pues no poseen límites y trabas y tienen la posibilidad de romper con normas y reglas estrictas, pero generalmente somos los adultos olvidados ya de esta cualidad, los que limitamos esa capacidad al no poder reconocer en la acción de un niño su aspecto novedoso. También hemos sido expertos para que la creatividad tanto en nosotros como en los niños se opaque; generando ambientes y circunstancias aptas para el no desarrollo del pensamiento divergente, fantasioso, imaginativo pues es allí donde la creatividad tiene su origen, pues la imaginación es el espacio de libertad de la razón y las emociones, hemos optado mejor por el aconductamiento en pro de un buen manejo disciplinario en el aula o en el peor de los casos para que los niños no se expresen, no jueguen, no disfruten por el temor de perder el control, “la disciplina entendida como un proceso interno en la forma de abordar el trabajo, es un ingrediente indispensable en el ámbito de la creatividad que nunca deberá asociarse a una postura rígida y silenciosa del cuerpo, del pensamiento y de los objetos.” .
El campo de lo artístico es el espacio propicio para el desarrollo creativo, pues es a través de la capacidad imaginativa que el ser humano crea realidades imposibles, mundos fantásticos y reinventa sus circunstancias. Es necesario mencionar que la creatividad no es exclusiva del campo artístico sino que se aplica en todos los ámbitos, aunque en nuestra sociedad y sistema educativo se le deja exclusivamente al área científica.
Dejándonos guiar por Vigotsky (2000) este propone cuatro aspectos fundamentales en el mecanismo de la imaginación creadora. El autor menciona que la relación directa con el mundo es el principio de este mecanismo creador, es el que propicia en el niño las experiencias que integrará a su conocimiento para hacer uso de ellas y dice “Resulta así que los primeros puntos de apoyo que encuentra el niño para su futura creación es lo que ve y lo que oye, acumulando materiales de los que luego usará, para construir su fantasía” . Después de haber experimentado en el mundo el niño posteriormente niño hará un proceso de disociación y asociación de estas experiencias acumuladas, de las impresiones recibidas, tomando y dejando lo que le interesa, olvida y rememora. Sobre la disociación dice el autor “la disociación consiste en trocear ese complicado conjunto separando sus partes preferentemente en comparación con otras, unas se conservan en la memoria, otras se olvidan. De tal modo la disociación es condición necesaria para el juego ulterior de la fantasía” . Pero estas funciones en el proceso imaginativo, se dan en el pensamiento en cuestión de segundos, el pensamiento no queda inmóvil, está en constante movimiento, a través de las sinapsis que llevan y traen información entre neuronas. Para este momento el proceso de asociación comienza a darse la agrupación imágenes pasadas, presentes o que estaban olvidadas, al respecto menciona vigotsky “Como dijimos esta asociación puede tener lugar sobre bases distintas y adoptar formas diferentes que van desde la agrupación puramente subjetiva de imágenes hasta el ensamblaje objetivo…y finalmente, momento postrero y definitivo del trabajo previo de la imaginación, es la combinación de imágenes aisladas ajustándolas a un sistema, encajándola en un cuadro complejo” . Pero esta operación no tendrá su fin hasta que no se cristalice en imágenes externas, utilizando para ello las estrategias técnicas del arte.
Surge una pregunta en relación a la experiencia creativa
¿Qué elementos deben intervenir entonces en la Experiencia artística?
Elementos que componen la experiencia artística
La importancia de la experiencia artística radica en la posibilidad de generar espacios interdisciplinares, es decir, entre disciplinas artísticas, ¿cómo hacer para que la danza, el teatro, la música, la literatura y las artes plásticas, sólo por mencionar algunas; se conjuguen en diversas actividades al interior del aula para desde allí aportar una experiencia artística mas enriquecedora y relevante para nuestros niños?, hemos segmentado las prácticas artísticas porque tal vez no poseemos el conocimiento para echar mano de algunas de ellas o de todas, tal vez sentimos que no tenemos la suficiente imaginación para tejer lazos que conecten una y otra disciplina, o tal vez estamos cómodos con lo que hemos enseñado o instruido hasta el momento, y no existe la necesidad de buscar nuevas alternativas u horizontes. La interdisciplinariedad permite ampliar el campo de posibilidades y manifestaciones artísticas, y provee el desarrollo de diversos aspectos y dimensiones del ser, el juego dramático a partir del cuerpo, la música por medio del desarrollo del oído, el sentido del ritmo del cuerpo, la plástica desde el desarrollo de lo visual, táctil, y la literatura a partir del desarrollo de la imaginación y la fantasía desde el conocimiento de la palabra, o la narrativa.
Debe contener en si misma los siguientes componentes:
Experiencia sensible
Experiencia técnica procedimental e instrumental (desde la plástica, el juego escénico o de roles, la música o la literatura)
Reconocimiento de la historia desde la obra de los artistas pero con la finalidad de reconocer o hacer visible los modos de ser en el mundo o los mundos posibles por ellos propuestos.
Comunicación a través del uso de lo simbólico, la metáfora, la analogía la narrativa o la notación musical.
Todo lo anterior sin olvidar que dentro del proceso o a lo largo del mismo, de van generando ritmos, movimientos, encuentros y desencuentros que son mas relevantes que la sola culminación de la actividad en un objeto final, sin demeritar la importancia de este, con esto me refiero a no sacrificar una cosa en pro de la otra, ambas se deben dar.
FUENTES BIBLIOGRÁFICAS
Canclini, G. nestor. (1996). Rehacer los pasaportes. El pensamiento visual en el debate sobre multiculturalidad. P. 1 El fin de siglo en las artes latinoamericanas. Conferencia. Santa fe de Bogotá
De Zubiría S. Miguel. (2004). Enfoques pedagógicos y didácticas contemporáneas. Editorial: Fundación Internacional de Pedagogía conceptual Alberto Merani, Colombia
Educación Artística, Serie Lineamientos Curriculares. (2000). Editorial: Ministerio de Educación Nacional de Colombia. Bogotá
Límites y supuestos para una educación artística: un marco de referencia académica. Unidad de Arte y Educación Universidad Nacional de Colombia. (2005). Conferencia Regional de Ameríca Latina y el Caribe sobre Educación Artística. Bogotá.
Mora, O. y Fals, Borda, O. (2002). La superación del Eurocentrismo, enriquecimiento del saber sistémico y endógeno sobre nuestro contexto tropical. Editorial: Academia colombiana de Ciencias Exactas, Físicas y naturales. Colombia.
Vigotsky, (2000). La imaginación y el arte en la infancia . Ediciones: Akal Madrid España.
Wagner Teresa. (2001). Apuntes generales sobre la enseñanza de las artes. Las artes y la creatividad artística. Métodos contenidos y enseñanza de las artes en América Latina y el caribe. Conferencia regional. Brasil.
Zambrano, L. A. (2002). Pedagogía Educación y Formación de docentes. Editorial :Nueva Biblioteca Pedagógica. Santiago de Cali
El modelo aquí es asumido como aquel que tiene que ver con algo a lo cual seguir, con lo cual guiarse, algo que se puede imitar y en el ámbito del arte, algo que se puede copiar. En muchas ocasiones y en muchos campos la existencia de modelos ha permitido el progreso, el conocimiento y la comprensión de sistemas o fenómenos muy complejos, pero en otros casos la utilización de modelos no depende solamente de la aplicación del mismo, sino también, del medio o contexto en el que se aplique, como lo mencionaba Mora Osejo y Fals Borda “…no siempre resultan apropiados para concebir soluciones surgidas en nuestro medio” .
Es esta la excusa que nos lleva un poco más allá, nos lleva a trascender el problema del modelo y penetrar otros campos en donde nos planteamos la necesidad de cuestionarnos sobre el cómo estamos llevando a cabo nuestros procesos educativos, en términos de si estamos cumpliendo con nuestra labor, buscando soluciones a problemáticas propias, a partir de tácticas propias; o si por el contrario estamos aplicando estrategias que en otros lugares han realizado pero que difieren en cuanto al contexto y a la realidad social en que vivimos. La pregunta por el modelo genera y sugiere la preocupación del ¿cómo construir nuestras propias nociones de arte y educación, que sean coherentes con nuestras realidades y necesidades sociales? Partiendo de estas preguntas se pretende entrar en una reflexión alrededor de las dimensiones Arte y Educación, sobre las relaciones que se tejen entre las mismas, con el fin de aclarar algunas nociones existentes, referentes a lo artístico y lo cultural; para desde allí ver cómo se traslapan, cómo se tocan en la práctica cultura y educación, y cómo se aporta desde el campo educativo en la construcción de nuestra cultura; asumiendo la escuela como mundo cultural y político, como lugar que hace posible el desarrollo cultural individual y colectivo, además, a manera de micromundo donde se ven reflejadas las problemáticas que suceden a nivel macro.
Es bien sabido por todos que una de las herencias que ha legado la modernidad, es el desarrollo del pensamiento racional, que ha marcado la mayor parte de los avances tecnológicos y el desarrollo de conocimientos que se han generado en la historia de las sociedades. Pero surgen preguntas a lo que el proyecto de la modernidad dejó enraizado. Pensamos, de forma racional así mismo leemos y escribimos; pero la verdad es el ser humano posee diversas formas de manifestarse, afectivamente y emocionalmente.
Sumado a lo anterior nos encontramos sumergidos en una cultura que constantemente está bombardeada por la imagen, aunque la era de la imagen parece haber pasado ya, más que sentirnos bombardeados por imágenes, creemos que esta es una forma diferente de ser y aprehender el mundo, desde lo visual, desde la imagen, desde allí se percibe el mundo y además también se aprende. Proliferan juegos de video, computadores, el Internet y demás medios visuales que hacen la vida más rápida, dinámica, activa y acuciosa, y en muchas ocasiones se nos hace incomprensible los cambios tan drásticos y rápidos que suceden en nuestras sociedades, pero es realidad la era de la imagen, la sociedad de la información y el conocimiento.
E arte posee una manera de ser propia intrínseca y empírica, diferente a otras disciplinas, desde la práctica, y que puede ser enseñada. Existen estrategias metodológicas que han desarrollado con el tiempo maestros artistas y pedagogos desde el manejo técnico plástico, hasta la búsqueda de la comprensión de los mas profundos sentimientos y actuaciones del ser humano desde la psicología; desde los cuales el ser humano aprehende y le da sentido al mundo y a su existencia. Surge entonces la inquietud por preguntar si entre estas estrategias de enseñanza puede ser desarrollados algunos métodos en donde se priorice el desarrollo del pensamiento visual y creativo, pues se cree que es a través de la imagen que nos comunicamos en esta época, hacemos y proponemos múltiples realidades, posibles o no. La imagen influencia nuestras vidas de tal manera que comienza a dar sentido a la misma, porque no preguntarnos cómo aprender con ella. Frente a lo anterior Garcia Canclini nos dice “La diferencia entre la ciencia y el arte, no es la distancia entre lo racional y lo prerracional, sino entre dos tipos de pensamiento, uno que se expresa en conceptos y otro sumergido en imágenes” .
Es desde el entendimiento del contexto y la cultura donde se ha creado la imagen, que nos apoyamos para desarrollar conocimiento, también a través de diversas maneras, perceptivas visuales, táctiles, olfativas incluso a partir del oído como lo hace la música, otras veces implementando métodos surgidos de la antropología, la sociología y demás ciencias humanas, pero que conjugados, reúnen ciertas herramientas para la comprensión de lo que sucede, pues es claro que el arte no solo es una forma de esparcimiento, de ocupar el tiempo libre o en otros casos una forma decorativa, sino la manera a través de la cual la cultura se materializa. El arte es un modo de sentar una posición política y crítica a través de la cual el artista o el practicante del arte muestran o explicitan facetas del mundo y las sociedades, que no se hacen explícitas en esferas de poder en donde ideologías políticas o modelos económicos marcan la pauta y llevan la batuta del desarrollo social.
Con este primer acercamiento a lo que es nuestra manera de vivir en sociedad, se pretende posicionar el pensamiento visual y creativo como una forma de generación de conocimiento, de aprehensión del mundo, en la búsqueda de la comprensión y el desarrollo íntegro del ser humano, que de respuestas a la búsqueda del equilibrio que siempre se ha planteado entre razón y emoción, racionalidad e irracionalidad, es decir, sin hallar puntos de escisión entre las formas de las ciencias y el arte, “una teoría del arte capaz de trascender el antagonismo entre pensamiento e intuición, podría contribuir a reelaborar los dilemas de un inicio de siglo, cuando todas las estructuras socioculturales se desestabilizan y nos preguntamos si es posible construir imaginarios que no desemboquen en furores irracionales” . Cabe aclarar que esto está apenas en construcción en el campo de la pedagogía artística.
RECONOCIMIENTO DE DOS PEDAGOGÍAS,
LA PEDAGOGÍA DIREFENCIADA Y LA PEDAGOGÍA AFECTIVA
PEDAGOGÍA DIFERENCIADA
Haciendo uso de un enfoque pedagógico denominado Pedagogía diferenciada en donde se expone que “es una nueva tendencia en el espacio educativo. Se caracteriza por tratar de respetar las capacidades y competencias del individuo, las cuales anteceden a todo acto de aprendizaje. Se apoya, igualmente en el obstáculo epistemológico, tal como lo plantea Bachelard. Trata de pensar al alumno antes de actuar, sobre la base teórica que dice que cada estudiante aprende de manera distinta: cada alumno genera estrategias de aprendizaje diferenciadas. ” y continúa diciendo “De igual modo, este modelo de pedagogía se inscribe dentro de una línea de acercamiento al trabajo con el alumno, advierte la diferencia como un factor que dinamiza y acerca” . Como lo menciona Zambrano Leal la pedagogía diferenciada busca fortalecer la autonomía partiendo de la diferencia de realidades de los estudiantes, desde la historia de vida de cada uno, de sus propias experiencias hacia la búsqueda de un proyecto de vida que le de sentido y nuevas significaciones, principio de realidad, darse cuenta de… a través del diálogo y la reflexión individual y conjunta; en la búsqueda de interlocución, e interpretación, con el fin de verse reflejado en la experiencia del otro y comprensión de su modo de ser en el mundo. Comprensión sobre la diferencia. La labor del docente está encaminada a la capacidad de escucha, y la comprensión de su estudiante, de ser interlocutor y mediador que acerca y reflexiona. Utiliza la antropología y la filosofía como elementos enlazadores de diversos mundos y la acción comunicativa y discursiva en búsqueda de co – educabilidad.
Este enfoque pedagógico puede ser aplicado dentro del aula y el trabajo con niños. Como lo menciona el autor en su texto busca rescatar al individuo desde la diferencia. Anuncia mil formas de aprendizaje que se pueden encontrar al interior del aula de clases, estas tanto como estudiantes existan, pues cada personita es diferente y tiene su propio ritmo de aprendizaje, en un taller de educación artística se pretende partir de la vida de cada estudiante, para darle de sentido a la misma. No busca hacer hincapié en el trabajo individualizado, pero si de posibles encuentros entre alumno y docente. También el trabajo en grupo, es contemplado como un proceso de aprendizaje óptimo, la construcción en grupo tiene como finalidad el diálogo, el encuentro, entendimiento y comprensión del otro.
PEDAGOGÍA AFECTIVA
Planteada por Miguel de Zubiría en su libro Enfoques pedagógicos y didácticas contemporáneas, dice “En efecto, los sentimientos y su educación, la educación sentimental, no es cuestión para telenovela, como de ocasión se presenta, sino el núcleo de una educación humana, humanista, orientada no a formar futuros trabajadores, sino mejores seres humanos integrales” “Postula tres áreas fundamentales: el amor a sí mismo, el amor a los otros y el amor al mundo y al conocimiento. Las enseñanzas difieren del propósito formar individuos felices, al plasmar y precisar el propósito y al hacerlo accesible educativamente. En el orden evolutivo son cinco instituciones mediadores socioculturales que aportan al propósito general de la pedagogía afectiva: La familia, el colegio, los amigos, la pareja, y el trabajo” Pretendemos entonces fortalecer la autoestima del niño, nos proponemos que el sujeto sea conciente de sus emociones, sentires, y afecciones y tenga la capacidad de utilizarlos a su favor en el momento de la experiencia artística creativa. Se intenta así que el estudiante recobre la confianza en sí mismo para conseguir un mejor desenvolvimiento en el proceso creativo plástico, a través del reconocimiento constante de la propia experiencia valorándola de forma individual y única, para así valorar la experiencia de los otros, desarrollar la capacidad y la conciencia para sentirse afectado por la experiencia de un par. Desarrollar la capacidad de escucha, de diálogo y de comunicación de emociones, en los niños con el fin de encontrar salidas, modos de ver el mundo y resignificaciones de este desde lo grupal y colectivo. El docente debe ser mediador para llevar por el camino de la comprensión y descubrimiento de emociones y sensaciones guardadas.
Principios rectores
- No hay dibujos buenos ni malos, solo se trata de la forma de dibujar de cada persona
- Teniendo en cuenta lo anterior, el docente debe abstenerse de dar juicios de valor sobre lo bueno o lo malo, lo verdadero o la mentira de los dibujos presentados en la clase, debe enfocarse en hacer ver los aciertos en el dibujo más que los errores, y potenciar estos aciertos.
- El diálogo y la comunicación entre docente estudiante y entre estos son elementos primordiales dentro del taller
- No solo el criterio del docente es válido, también el de los estudiantes, es decir, entre compañeros pueden haber críticas constructivas que deben ser tenidas en cuenta al momento de la evaluación.
- En el taller se pretende como objetivo primordial afianzar la confianza y la autonomía del estudiante sobre si mismo.
- La capacidad de escucha es una característica que deben poseer tanto el docente, como los estudiantes. Escuchar para ser escuchado debe ser una lección constante dentro del proceso de aprendizaje.
SOBRE LA LABOR DEL DOCENTE EN EL PROCESO DE
ENSEÑABILIDAD Y EDUCABILIDAD
• El asumir con voluntad el proceso de formación de un sujeto es la principal cualidad que debe poseer un docente al interior del aula. Unido a esto se deben tener en cuenta dos características principales, el ser docente y el ser artista, uno conlleva a la acción del otro dentro del taller.
• Es importante aclarar que cada ejercicio que va a ser propuesto a un grupo niños, debe ser desarrollado y aplicado con anterioridad por el docente, de esta manera se puede llevar un proceso en el cual el proceso creativo sea claro para el niño,
• La relación docente estudiante debe ser horizontal, la idea mantener el respeto y disciplina en el aula pero no a través del miedo, sino a través del diálogo. El respeto y la autoridad no se negocia, pero si pueden ser flexibles dependiendo del pensamiento del docente, a partir del diálogo y la interpelación que unos niños pueden hacer sobre otros.
• Es importante conocer la vivencia de estudiante las situaciones más importantes de su vida, el conocimiento pues esta será materia prima al iniciarse en la expresión creativa. Constantemente preguntar y conversar con el estudiante, es la única manera de acercarse a él y conocerlo afectivamente. Pero no sólo hablar, el sentir interés por conocer la personita que está en frente, lo hará sentirse mas querido y él verá que es importante para el docente. Se ha concluido que la escuela más que un lugar de aprendizaje, este espacio es propicio para la expresión, la creación el diálogo y el tejido de relaciones, donde confluyen estas mismas nociones para metamorfosearse al son del ser humano, el pensamiento y el conocimiento del mismo.
• Dentro del proceso de enseñanza aprendizaje algunas veces se presentan momentos en los cuales no se sabe por donde continuar, lo importante reside en la capacidad de reflexionar constante sobre el hecho pedagógico y a su vez llevarlo a la escritura. En cada momento en la labor docente se presentan incertidumbres que con llevan a la zozobra y es menester del docente buscar el camino a seguir, esto produce desgaste e insatisfacción al ver el camino un poco nublado, pero ayuda a continuar adelante con la reflexión y el que hacer pedagógico.
CONCEPTOS BÁSICOS PARA LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA,
formación artística, juego, experiencia plástica y creatividad
En la Educación artística: Existe un proceso formativo, a través del cual el niño aprehende el mundo. En este intervienen sus experiencias propias de vida, estas se manifiestan a partir de la experimentación artística o en este caso plástica. Hay que aclarar que es un proceso de aprendizaje constante en donde el niño revela su relación y compresión del mundo a través del manejo de unos materiales que se manifiestan en formas, colores, texturas sobre soportes y demás elementos que componen las disciplinas de las artes plásticas y de otras artes, es decir, a través del cuerpo en las artes escénicas o el juego dramático, la escritura en el caso de la literatura o la notación musical.
No se debe olvidar que es a través del la Educación artística que se da el aprendizaje a través del desarrollo conciente de los sentidos, pues a diferencia de otras áreas, la artística permite el conocimiento del mundo desde el desarrollo de la sensibilidad y la experiencia corporal.
En nuestros contextos educativos, en la práctica de la Educación artística intervienen tanto las manualidades como la artesanía, (estas son solo algunas formas de expresión artística propias, es decir, de nuestras regiones) pero en la mayoría de los casos se sacrifica la experiencia intrapersonal o de aprendizaje a través del manejo plástico por hacer llegar al niño a la culminación de un objeto con propósitos utilitarios. En otros casos el empleo de las manualidades se hace como recurso para pasar el rato, descartando su importancia y desconociendo su objetivo o como pasa en las academias de educación superior, por la elaboración de una obra de arte, desplazando la importancia de esta sólo al objeto creado.
De entrada es necesario mencionar algunos aspectos que sobre tejen el tapete en donde se apoya la Educación Artística. “El que exista la Educación Artística en teoría en el currículo no implica que exista la enseñanza artística en la práctica” . Pues en la práctica se sabe que existen otras áreas del conocimiento que ocupan la mayor parte del tiempo del aprendizaje, como son las Matemáticas, la biología, el español. Además, a esto se le suma la falta de docentes capacitados y formados en el área, que tengan el conocimiento suficiente para la utilización de métodos y contenidos que sean novedosos y no obsoletos, además que se den a la tarea de entender primero qué es el arte, antes de enseñarlo.
Otro aspecto es que no se alcanza a vislumbrar la importancia de la enseñanza - aprendizaje a través de las artes, porque el pensamiento generalizado es que la artística es una actividad para pasar el rato, como hobby, y en el mejor de los casos como desarrollo de habilidades técnicas, de la cual no se genera conocimiento útil, pues se espera, en suma que todo se convierta en conocimiento. El conocimiento que se genera en artes en nuestro contexto se entiende a la luz de Teresa Wargner “pero por conocimiento se entiende un cierto saber neutralizado de fórmulas, asimilable a un producto, manipulable, pragmático y utilitario” . Esto hace que la educación artística pase a un segundo lugar en la lista de actividades importantes para la persona, y por ello cuando los estudiantes se gradúan un porcentaje mínimo decide estudiar o continuar un programa Universitario en el campo artístico.
Se debe mencionar también, que el sistema educativo en el que nos encontramos no responde a las necesidades del medio, y que aunque posee lineamientos claros a seguir, le hace falta mecanismos y estrategias por medio de los cuales se hagan cumplir dichos lineamientos. El aspecto mas preocupante de la Educación Artística tal vez, es que el conocimiento del ser sobre sí mismo, su relación con el mundo y sus modos de comprenderlo no son cuestiones de las cuales la escuela deba ocuparse, pues esta, con su entramado de métodos, modelos, pedagogías y didácticas ha olvidado que el encuentro del sentido de la vida, está en su que hacer diario y la finalidad del aprendizaje se da partiendo de la experiencia del ser consigo mismo y con los otros. Es por ello que la educación se ha basado finalmente en la transmisión de conocimientos que poco o nada dejan ver al ser humano que los recibe pues se queda tras ellos. Se debe recordar que “posiblemente la clase de Educación Artística es la única en donde la experiencia integral de la persona es necesariamente tenida en cuenta; frente a otras asignaturas, que poseen un objetivo central de transmitir y fijar una información específica”
EL Juego
El juego es el modo mas atrayente quizás el único a través del cual el niño aprende el mundo y se relaciona con los demás, de una forma divertida y placentera pero a parte de ello “el juego desarrolla creatividad, competencia intelectual, fortaleza emocional, estabilidad, sentimiento, de júbilo y placer” para el niño es el medio mas eficaz de desarrollo cognitivo mientras que para los adultos deja de ser el medio mas importante de incremento cognitivo y crecimiento; tanto, que la seriedad que poseen las vidas de los docentes a pasado a ser parte de la educabilidad en la escuela, de manera que el ambiente que rodea a los niños se ha convertido en algo demasiado serio.
En el juego se permite tal libertad que nos lleva desde la imaginación y la fantasía a crear situaciones y momentos inusitados, que pueden preparar a un niño frente a situaciones que vivirá en algún momento de su vida; como lo menciona Zambrano Leal “Es por ello que el juego brinda situaciones en donde se pueden practicar destrezas, tanto físicas como mentales, repitiéndolas tantas veces como sea necesario para conseguir confianza y dominio, permitiendo explorar las propias potencialidades y limitaciones” .
El juego no debe ser asumido como falta de seriedad, pues no hay nada más serio que respetar las reglas de un juego las cuales se dan a manera de pacto previo entre los jugadores. Es el medio comunicativo más eficaz en el mundo de la escuela. Lo que se debe tomar con seriedad es la implementación constante de este al iniciar experiencias artísticas como método primordial de crecimiento y aprendizaje.
La Experiencia
La experiencia que proporcionan las actividades artísticas no las tiene ninguna otra, pues por la variabilidad de las mismas estás poseen características, que permiten la creación de ambientes y actividades en las cuales entran a formar parte relevante el juego, la creatividad, la creación plástica entre otros elementos. Esos elementos ofrecen a los niños multiplicidad de experiencias de las cuales ellos aprenden, y desarrollan cualidades como: la imaginación, la creatividad, el pensamiento divergente, la sensibilidad, la construcción colectiva etc. Y se desenvuelven con más facilidad en la escuela es un aprendizaje continuo.
La creatividad necesariamente involucra la capacidad que posee cada persona de reinventarse diariamente, teniendo en cuenta sus cambios internos, personales y readaptándose al medio con nuevas formas o modos de ser o pensar, esto tiene que ver directamente con el rompimiento de paradigmas.
Se refiere a una capacidad puesta en acción en cualquier momento o situación de la vida. Un ejemplo simple podría ser la manera como una persona soluciona un problema en el cual se encuentra envuelto, pero con la cualidad de poder proponer dos o tres formas distintas de salir del mismo problema. Ser creativo tiene que ver con el rompimiento de los propios límites que tejemos a nuestro alrededor, del arrojo o el coraje para enfrentarnos a lo desconocido, y de la apertura a lo novedoso, sin temer a los cambios que ello puede traer consigo.
Para la creatividad los niños son expertos pues no poseen límites y trabas y tienen la posibilidad de romper con normas y reglas estrictas, pero generalmente somos los adultos olvidados ya de esta cualidad, los que limitamos esa capacidad al no poder reconocer en la acción de un niño su aspecto novedoso. También hemos sido expertos para que la creatividad tanto en nosotros como en los niños se opaque; generando ambientes y circunstancias aptas para el no desarrollo del pensamiento divergente, fantasioso, imaginativo pues es allí donde la creatividad tiene su origen, pues la imaginación es el espacio de libertad de la razón y las emociones, hemos optado mejor por el aconductamiento en pro de un buen manejo disciplinario en el aula o en el peor de los casos para que los niños no se expresen, no jueguen, no disfruten por el temor de perder el control, “la disciplina entendida como un proceso interno en la forma de abordar el trabajo, es un ingrediente indispensable en el ámbito de la creatividad que nunca deberá asociarse a una postura rígida y silenciosa del cuerpo, del pensamiento y de los objetos.” .
El campo de lo artístico es el espacio propicio para el desarrollo creativo, pues es a través de la capacidad imaginativa que el ser humano crea realidades imposibles, mundos fantásticos y reinventa sus circunstancias. Es necesario mencionar que la creatividad no es exclusiva del campo artístico sino que se aplica en todos los ámbitos, aunque en nuestra sociedad y sistema educativo se le deja exclusivamente al área científica.
Dejándonos guiar por Vigotsky (2000) este propone cuatro aspectos fundamentales en el mecanismo de la imaginación creadora. El autor menciona que la relación directa con el mundo es el principio de este mecanismo creador, es el que propicia en el niño las experiencias que integrará a su conocimiento para hacer uso de ellas y dice “Resulta así que los primeros puntos de apoyo que encuentra el niño para su futura creación es lo que ve y lo que oye, acumulando materiales de los que luego usará, para construir su fantasía” . Después de haber experimentado en el mundo el niño posteriormente niño hará un proceso de disociación y asociación de estas experiencias acumuladas, de las impresiones recibidas, tomando y dejando lo que le interesa, olvida y rememora. Sobre la disociación dice el autor “la disociación consiste en trocear ese complicado conjunto separando sus partes preferentemente en comparación con otras, unas se conservan en la memoria, otras se olvidan. De tal modo la disociación es condición necesaria para el juego ulterior de la fantasía” . Pero estas funciones en el proceso imaginativo, se dan en el pensamiento en cuestión de segundos, el pensamiento no queda inmóvil, está en constante movimiento, a través de las sinapsis que llevan y traen información entre neuronas. Para este momento el proceso de asociación comienza a darse la agrupación imágenes pasadas, presentes o que estaban olvidadas, al respecto menciona vigotsky “Como dijimos esta asociación puede tener lugar sobre bases distintas y adoptar formas diferentes que van desde la agrupación puramente subjetiva de imágenes hasta el ensamblaje objetivo…y finalmente, momento postrero y definitivo del trabajo previo de la imaginación, es la combinación de imágenes aisladas ajustándolas a un sistema, encajándola en un cuadro complejo” . Pero esta operación no tendrá su fin hasta que no se cristalice en imágenes externas, utilizando para ello las estrategias técnicas del arte.
Surge una pregunta en relación a la experiencia creativa
¿Qué elementos deben intervenir entonces en la Experiencia artística?
Elementos que componen la experiencia artística
La importancia de la experiencia artística radica en la posibilidad de generar espacios interdisciplinares, es decir, entre disciplinas artísticas, ¿cómo hacer para que la danza, el teatro, la música, la literatura y las artes plásticas, sólo por mencionar algunas; se conjuguen en diversas actividades al interior del aula para desde allí aportar una experiencia artística mas enriquecedora y relevante para nuestros niños?, hemos segmentado las prácticas artísticas porque tal vez no poseemos el conocimiento para echar mano de algunas de ellas o de todas, tal vez sentimos que no tenemos la suficiente imaginación para tejer lazos que conecten una y otra disciplina, o tal vez estamos cómodos con lo que hemos enseñado o instruido hasta el momento, y no existe la necesidad de buscar nuevas alternativas u horizontes. La interdisciplinariedad permite ampliar el campo de posibilidades y manifestaciones artísticas, y provee el desarrollo de diversos aspectos y dimensiones del ser, el juego dramático a partir del cuerpo, la música por medio del desarrollo del oído, el sentido del ritmo del cuerpo, la plástica desde el desarrollo de lo visual, táctil, y la literatura a partir del desarrollo de la imaginación y la fantasía desde el conocimiento de la palabra, o la narrativa.
Debe contener en si misma los siguientes componentes:
Experiencia sensible
Experiencia técnica procedimental e instrumental (desde la plástica, el juego escénico o de roles, la música o la literatura)
Reconocimiento de la historia desde la obra de los artistas pero con la finalidad de reconocer o hacer visible los modos de ser en el mundo o los mundos posibles por ellos propuestos.
Comunicación a través del uso de lo simbólico, la metáfora, la analogía la narrativa o la notación musical.
Todo lo anterior sin olvidar que dentro del proceso o a lo largo del mismo, de van generando ritmos, movimientos, encuentros y desencuentros que son mas relevantes que la sola culminación de la actividad en un objeto final, sin demeritar la importancia de este, con esto me refiero a no sacrificar una cosa en pro de la otra, ambas se deben dar.
FUENTES BIBLIOGRÁFICAS
Canclini, G. nestor. (1996). Rehacer los pasaportes. El pensamiento visual en el debate sobre multiculturalidad. P. 1 El fin de siglo en las artes latinoamericanas. Conferencia. Santa fe de Bogotá
De Zubiría S. Miguel. (2004). Enfoques pedagógicos y didácticas contemporáneas. Editorial: Fundación Internacional de Pedagogía conceptual Alberto Merani, Colombia
Educación Artística, Serie Lineamientos Curriculares. (2000). Editorial: Ministerio de Educación Nacional de Colombia. Bogotá
Límites y supuestos para una educación artística: un marco de referencia académica. Unidad de Arte y Educación Universidad Nacional de Colombia. (2005). Conferencia Regional de Ameríca Latina y el Caribe sobre Educación Artística. Bogotá.
Mora, O. y Fals, Borda, O. (2002). La superación del Eurocentrismo, enriquecimiento del saber sistémico y endógeno sobre nuestro contexto tropical. Editorial: Academia colombiana de Ciencias Exactas, Físicas y naturales. Colombia.
Vigotsky, (2000). La imaginación y el arte en la infancia . Ediciones: Akal Madrid España.
Wagner Teresa. (2001). Apuntes generales sobre la enseñanza de las artes. Las artes y la creatividad artística. Métodos contenidos y enseñanza de las artes en América Latina y el caribe. Conferencia regional. Brasil.
Zambrano, L. A. (2002). Pedagogía Educación y Formación de docentes. Editorial :Nueva Biblioteca Pedagógica. Santiago de Cali
6 de enero de 2007
Reflexión en torno a las competencias, una experiencia significativa desde el dibujo en el programa de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas
Aclaraciones
Al iniciar una reflexión sobre la manera como se desarrolla el proceso de enseñanza aprendizaje al interior de una escuela de artes, es necesario hacer algunas aclaraciones de entrada que si bien parecen ser obvias, es bueno verlas desde otra perspectiva. Además de lo anterior buscar algunas relaciones entre la profesión ejercida por el artista plástico y lo que se busca en un proceso de formación artística.
De entrada el primer acercamiento que se hace es que el ser Maestro en Artes Plásticas y ser docente de Artes son dos funciones diferentes y tienen acciones diferentes, y que si bien tienen relación una con la otra cada una tienen su propia manera de ser, cualidades propias, pero finalmente la una se apoya en la otra. Con esto nos referimos a que un buen pintor puede tener un excelente manejo de la técnica, y no poseer los conocimientos pedagógicos y didácticos para enseñarla, y que un buen docente si no se ha acercado a la experiencia de la pintura, por poner un ejemplo, no podría guiar a un estudiante en la solución de problemas propios de la aplicación técnica, ni propios de la creación.
Cuando pensamos en formar estudiantes en artes plásticas, surge una primera pregunta y es ¿Cuál es el rol a cumplir socialmente de un maestro en artes plásticas?, es decir ¿cuál es la función que debe cumplir un maestro en artes plásticas en el medio social al cual pertenece?, son preguntas que si bien poseen respuestas, la que se propone aquí pareciera no ser la mas acertada. Dentro de una sociedad que tiene como modelo el pensamiento cartesiano – racional, donde el sistema educativo ha privilegiado este modo de enseñanza, y la educación que hemos recibido se ha direccionado al desarrollo sólo del conocimiento, y la transmisión de la información; ha dejado de lado el desarrollo del ser, la comprensión de sus procesos internos, el desarrollo de la capacidad sensitiva y perceptiva estos últimos elementales y extremadamente importantes para el alcance de un buen vivir. Es precisamente, aquí donde se encuentra el primer tropiezo, pues se parte de la afirmación de que el arte es “inútil” dentro de cánones y parámetros de una sociedad que piensa en términos económicos y de desarrollo. Esta es la primera problemática que se presenta al momento de formar artistas plásticos. Y ¿para que sirve aprender a pintar o a dibujar? es la primera pregunta que invade a un estudiante a puertas de convertirse en egresado.
Saliéndonos un poco del primer punto que se presenta, pero también saliéndonos de los parámetros ya mencionados, haremos referencia a la función que el artista debe cumplir. Pero más que el arte visto desde el objeto u obra de arte resultante, es sobre la acción del hacer, desde la creación y lo que se encuentra detrás de ella. El egresado de artes plásticas debe poseer la capacidad de leer el mundo al cual pertenece, y buscar a través del arte expresar su visión sobre el mismo a través de los medios plásticos, el artista muestra algunas posibilidades respecto a la realidad que vive, develando lo real de esta, interpelándola, pensando sobre situaciones y circunstancias que se presentan y además haciendo uso crítico de su pensamiento; cuestionando la realidad, no para tratar de hallar soluciones sino para mostrar otras posibles caras de lo que hemos dado por sentado, por cierto o establecido. Teniendo en cuenta lo anterior es natural pensar que el estudiante de artes plásticas debe ser competente para expresar su mirada frente a lo real, afianzar su capacidad emocional, dejarse afectar por el medio que le envuelve, pero también debe desarrollar su capacidad de análisis, reflexión, comprensión y crítica de la realidad, en búsqueda del perfeccionamiento del desarrollo de su pensamiento, visual, gráfico, emocional y artístico. Competencias que deben comenzar en la escuela pero que sabemos se visibilizan fuera de ella, y que se fortalecen a lo largo de la vida.
En segunda instancia y en íntima relación con lo anterior los artistas o personas que se encuentren en este medio del arte han sido considerados durante mucho tiempo como personas especiales o con dones excepcionales, es una visión equívoca que debe ser cambiada, pues en la formación de un artista plástico se tienen en cuenta dimensiones del ser humano que son relevantes o importantes como en cualquier área del conocimiento o del saber, y que se busca sean desarrolladas. En las artes plásticas se tiene en cuenta el desarrollo de la capacidad de sensibilización, la comprensión de las emociones que traducida en otras palabras sería la inteligencia emocional, el desarrollo de la imaginación, la creatividad, la memoria visual, el pensamiento gráfico, divergente entre otras que parecen ser dimensiones de segundo plano, en relación al desarrollo del pensamiento racional. Es decir, más que considerar a los artistas como personas especiales o con dones especiales, deberíamos comenzar por tener en cuenta el fortalecimiento de los aspectos mencionados desde otras disciplinas o áreas del conocimiento. Pues en estos momentos en los que se menciona la formación por competencias, se debería ampliar el espectro y las dimensiones del ser que hemos descuidado durante tanto tiempo.
Enfoques pedagógicos
1. Pedagogía Diferenciada
TRABAJO INDIVIDUAL PERSONALIZADO
Se fortalece la Autonomía partiendo de la realidad del estudiante, de su propia historia de vida enlazada, de sus propias experiencias hacia la búsqueda de un proyecto de vida que le de sentido y nuevas significaciones, principio de realidad, darse cuenta de…
TRABAJO GRUPAL
Temáticas unificada en clase, diálogo y reflexión conjunta, en la búsquedas de interlocución, e interpelación, verse reflejado en la experiencia del otro, y comprensión de su modo de ser en el mundo, comprensión sobre la diferencia
LUGAR DE ENCUENTRO DOCENTE Y ESTUDIANTES
La labor del docente está encaminada a:
- Docente que escucha Comprensión de la diferencia
- Docente interlocutor y mediador que acerca y Reflexiona
- Experiencia de vida del docente como experiencia primaria o piloto desde el proceso creativo, hasta el proceso de vida.
Se utiliza la antropología y filosofía como elementos enlazadores de diversos mundos y la acción comunicativa y discursiva en búsqueda de co – educabilidad
2. Pedagogía afectiva
DESDE EL SUJETO
- Busca fortalecer la autoestima del estudiante.
- Tiene como finalidad que el sujeto sea conciente de sus emociones, sentires, y afecciones y tenga la capacidad de utilizarlos a su favor.
- Recobrar la confianza en si mismo para un mejor desenvolvimiento en el proceso plástico creativo
- Reconocimiento constante de la propia experiencia valorándola de forma individual y única.
- Valoración de la experiencia de otros
DESDE EL TRABAJO EN GRUPO
- Comprensión del sentir del otro a partir del reconocimiento de sus experiencias
- Tener la conciencia suficiente para dejarse afectar y sentirse afectado por la experiencia del otro
- Desarrollar la capacidad de escucha, de diálogo y de comunicación de emociones.
- Encuentro de salidas, modos de ver el mundo y resignificaciones de este desde lo grupal y colectivo
DESDE EL DOCENTE
Ser mediador para llevar por el camino de la compresión y descubrimiento de emociones y sensaciones guardadas.
Propósitos formativos
Las Competencias que se potencian en la formación de un estudiante de artes plásticas son las siguientes:
COMPETENCIAS AFECTIVAS
- Habilidades perceptivas (observar, escuchar..)
- Capacidad de objetivar su subjetividad
- Reconocer la propia experiencia
COMPETENCIAS COMUNICATIVAS
- Capacidad de comunicar verbalmente, desarrollo de un sujeto político
- Capacidad de diálogo y escucha
- Habilidades para la escritura
COMPETENCIAS EXPRESIVAS
- Habilidades de producción de imágenes visuales
- Capacidad de comunicarse a través de otros lenguajes (simbólico, metafórico, analógico)
- Capacidad crítica interpretativa tanto de sus proceso internos, como del medio que le rodea
- Capacidad de lectura de otros lenguajes
- Reconocimiento de lo real de la realidad
- Reconocimiento histórico de su propio contexto
- Desarrollo de la creatividad
Como el conocimiento del ser sobre si mismo y sus procesos internos no es asumido ni valorado como conocimiento, se han relegado a segundo plano o subvalorado otros aspectos importantes a tener en cuenta en el proceso formativo integral por competencias, es desde aquí que se fortalece el ser humano en su integralidad. En el proceso de creación plástica se debe reconocer mas que la parte técnica o el producto terminado, el proceso de transformación que subsiste detrás, tanto desde la trasformación de materiales y el manejo técnico, como el proceso de transformación interior que sufre el ser humano al realizar dichas acciones y tras ello la trasformación del mundo que le rodea a partir de la comprensión y resignificación del mismo.
Se cree que en el campo del arte o en otros campos la ventaja que se tiene es que se abren multiplicidad de caminos en el momento en que el sujeto se plantea preguntas, que sería el primer paso hacia el desarrollo del pensamiento si es el objetivo que se persigue.
Partiendo de que el currículo de artes plásticas está en proceso de resignificación, se pretende desde la asignatura de formas orgánicas problematizar al estudiante desde el inicio, generando en él necesidad de preguntar-se, de generar múltiples preguntas por ejemplo respecto al nombre que tiene la asignatura en un primer momento, por ejemplo ¿qué son las formas orgánicas? ¿Qué es lo orgánico?, ¿Qué relación tiene la palabra orgánico con órgano?, ¿Qué importancia tiene el cuerpo como contenedor de órganos?, ¿en dónde se encuentra lo orgánico?, ¿se transforma?, pareciera que esto se asemeja mas a una clase de anatomía que de dibujo, pero la intención es esa, con la finalidad no de encontrar respuestas prontas a los interrogantes pero si intentar buscar multiplicidad de caminos frente a un solo problema o situación. Problematizar se convierte en la excusa para dialogar en torno a algo, generar el acercamiento entre estudiante y docente; método que da pie para comenzar una búsqueda ya no desde el desarrollo de unos contenidos sino desde la pregunta misma surgida desde lo que cada uno puede hacerse, así el camino se inicia en el ser y su necesidad, desde adentro no desde algo que está por fuera de él y que debe conocer impositivamente, sino por su propia búsqueda.
Estrategia Metodología
Sensibilización y reconocimiento de la experiencia
Acentuación de sentires, de emociones y experiencias
Búsqueda de un tema o problema a través del cual manifestar dichas experiencias y emociones.
Proyección metodológica hacia la investigación - creación desde los propios encuentros temáticos o problemáticos (todo este proceso se da desde la interioridad del sujeto, desde su mundo interno).
Se cree que en el campo del arte o en otros campos la ventaja que se tiene es que se abren multiplicidad de caminos en el momento en que el sujeto se plantea preguntas, que sería el primer paso hacia el desarrollo del pensamiento si es el objetivo que se persigue.
Partiendo de que el currículo de artes plásticas está en proceso de resignificación, se pretende desde la asignatura de formas orgánicas problematizar al estudiante desde el inicio, generando en él necesidad de preguntar-se, de generar múltiples preguntas por ejemplo respecto al nombre que tiene la asignatura en un primer momento, por ejemplo ¿qué son las formas orgánicas? ¿Qué es lo orgánico?, ¿Qué relación tiene la palabra orgánico con órgano?, ¿Qué importancia tiene el cuerpo como contenedor de órganos?, ¿en dónde se encuentra lo orgánico?, ¿se transforma?, pareciera que esto se asemeja mas a una clase de anatomía que de dibujo, pero la intención es esa, con la finalidad no de encontrar respuestas prontas a los interrogantes pero si intentar buscar multiplicidad de caminos frente a un solo problema o situación. Problematizar se convierte en la excusa para dialogar en torno a algo, generar el acercamiento entre estudiante y docente; método que da pie para comenzar una búsqueda ya no desde el desarrollo de unos contenidos sino desde la pregunta misma surgida desde lo que cada uno puede hacerse, así el camino se inicia en el ser y su necesidad, desde adentro no desde algo que está por fuera de él y que debe conocer impositivamente, sino por su propia búsqueda.
Estrategia Metodología
Sensibilización y reconocimiento de la experiencia
Acentuación de sentires, de emociones y experiencias
Búsqueda de un tema o problema a través del cual manifestar dichas experiencias y emociones.
Proyección metodológica hacia la investigación - creación desde los propios encuentros temáticos o problemáticos (todo este proceso se da desde la interioridad del sujeto, desde su mundo interno).
Prácticas a seguir constantemente:
Ejercicio sensibilizatorio: hacia el reconocimiento de la experiencia
Ejercicio plástico: desde el dibujo flexible ( es decir la idea de dibujo ampliada a otras técnicas, que permiten el uso del color o materiales que amplían el repertorio técnico y afianza la búsqueda temática o problemática)
Ejercicio expositivo: mostrar los trabajos hechos en clase constantemente frente a los compañeros de clase.
Ejercicio reflexivo oral: autoevaluación constate a través de la reflexión sobre lo que se hizo plásticamente aquí se utilizan dos estrategias la autoevaluación y la coevaluación: relacionada a las lecturas o interpretaciones que los otros hacen del trabajo de un compañero. Aquí se afianza la capacidad de escucha y de diálogo además la argumentación y la interpretación del trabajo de los demás (crítica, argumentación, diálogo escucha).
Ejercicio reflexivo escritural: lectura constate de las emociones, sobre el sentir, el proceso evolutivo plástico y de Autoreflexión de la vivencia o la experiencia en el taller de dibujo y de la vida en general. (elemento didáctico bitácora y ensayos).
Ejercicio escritural crítico: a través de la lectura y escritura sobre textos escritos de otros autores, buscando siempre verse reflejado o encontrar asociaciones entre el proceso individual y lo leído.
Ejercicio sensibilizatorio: hacia el reconocimiento de la experiencia
Ejercicio plástico: desde el dibujo flexible ( es decir la idea de dibujo ampliada a otras técnicas, que permiten el uso del color o materiales que amplían el repertorio técnico y afianza la búsqueda temática o problemática)
Ejercicio expositivo: mostrar los trabajos hechos en clase constantemente frente a los compañeros de clase.
Ejercicio reflexivo oral: autoevaluación constate a través de la reflexión sobre lo que se hizo plásticamente aquí se utilizan dos estrategias la autoevaluación y la coevaluación: relacionada a las lecturas o interpretaciones que los otros hacen del trabajo de un compañero. Aquí se afianza la capacidad de escucha y de diálogo además la argumentación y la interpretación del trabajo de los demás (crítica, argumentación, diálogo escucha).
Ejercicio reflexivo escritural: lectura constate de las emociones, sobre el sentir, el proceso evolutivo plástico y de Autoreflexión de la vivencia o la experiencia en el taller de dibujo y de la vida en general. (elemento didáctico bitácora y ensayos).
Ejercicio escritural crítico: a través de la lectura y escritura sobre textos escritos de otros autores, buscando siempre verse reflejado o encontrar asociaciones entre el proceso individual y lo leído.
La etapa es asumida en este caso como un tramo del camino por recorrer, a veces puede ser largo o corto depende de la búsqueda del estudiante, hay que tener en cuenta que el tiempo utilizado en el desarrollo de un proceso creativo, no puede ser ajustado únicamente al calendario académico, por lo general se sale del mismo, este es un aspecto que el docente de artes plásticas debe considerar al momento de la evaluación.
1. Etapa de sensibilización: Capacidad del ser humano de captar información de la realidad también de sí mismo. Sentirse afectado por el medio o por los otros. Tratamos de ampliar y recobrar los sentidos reavivarlos y disponerlos de nuevo al medio, en primer lugar sobre el espacio real en donde se encuentre el estudiante. - Lugar diferente al salón de clase
- Desde la memoria y el recuerdo de situaciones que nos han afectado en algún momento de nuestras vidas (recobrar la información de lo sucedido).
Desde la etapa de sensibilización lo que se pretende es recobrar la información respecto a emociones que hemos acumulado en situaciones dolorosas del pasado y que se encuentran en la memoria. Hacerse conciente de ellas, hacer memoria, recordarlas Esta etapa puede hacerse desde ejercicios de meditación guiados con la voz del mismo docente, también puede hacerse con música, objetos, movimientos del cuerpo, olores, esto depende de la creatividad y flexibilidad del docente. También puede hacerse recorriendo espacios de la ciudad.
2. Etapa de percepción: la interpretación que hacemos de nuestras emociones a partir de la sensibilización, es más elaborada.
Capacidad de transformar la información que he recibido y por la cual he sido afectado y ser conciente de la misma, en últimas es la interpretación de la información. Cómo me afecta, es hacerse conciente de esto. Esta etapa puede presentarse en cualquier momento antes o después al interior de cualquier etapa aquí mencionada, puede ir apareciendo durantes estos momentos, pues, cuando se trata de comprender algo que pasó emocionalmente es un proceso lento, de duelo y aceptación que no se da en un solo instante, se puede extender a lo largo del semestre pero que debe ser comunicada verbalmente (o ulizando cualquier otra forma de expresión).
3. Etapa de reconocimiento de la experiencia: Aquí se manifiesta lo que se siente verbal o escrituralmente frente a los otros, a los demás, siendo escuchado sobre el sentir y del cómo ha sido afectado el sujeto. La Una experiencia se traduce en estar involucrado en X o Y situación respecto a algo, que le afecta al sujeto positiva o negativamente y de la cual se puede aprender, es en la sumatoria de una y otra experiencia de vida y del reconocimiento de las mismas que se forma la madurez y la personalidad. Deben surgir multiplicidad de preguntas, problemáticas sobre la situación.
La experiencia también puede ser creada, para propiciar una experiencia plástica el docente puede recrearla a partir de elementos particulares, haciendo uso de objetos que pertenezcan al sujeto y que sean importantes para él en su espacio íntimo, esta acción está muy relacionada con la etapa de sensibilización. La experiencia solo sucede en el sujeto en el momento que él mismo se hace conciente de dichos momentos o situaciones y sabe cómo ha sido afectado por ellos.
4. Etapa de expresión plástica: Momento a través del cual el estudiante puede expresar de manera plástica sus afecciones, en este caso comunicar a través del dibujo su experiencia. Para lograr esto se deben entregar algunas herramientas previas, para poder encontrar la imagen adecuada que mejor comunique lo que se pretende. El encuentro de la técnica también es importante, desde el concepto ampliado del dibujo o del llamado dibujo contemporáneo, en donde entran hacer parte de esto otras técnicas pertnecientes a otras áreas.
- El encuentro de la técnica apropiada es muy importante respecto a la problemática que se quiere manifestar. Cada técnica posee un modo de ser que puede ser compatible o no con el sujeto que la utiliza, es por ello que no todos son buenos para expresarse a través del dibujo o la pintura, esto está en íntima relación con el estado, la forma de ser y el carácter de cada sujeto. Así, podríamos relacionar el dibujo con procesos del pensamiento y de su facilidad o dificultad para ser expresado, tiene un tinte único y personal es por ello que cada persona tiene una forma única de firmar, con su propia letra, siendo la firma una manera de acercarnos al dibujo inicialmente, cada firma caracteriza caligráficamente al portador de la misma es única e irrepetible al igual que el dibujo, la caligrafía expresada en una firma es un dibujo.
- El encuentro de un símbolo, metáfora o imagen apropiada para expresar lo que se siente es también una labor dentro del aula, el desarrollo del pensamiento visual y gráfico está en relación con la capacidad que tiene el estudiante de trasmitir lo que piensa en imagen y así comunicar su sentir. Esta imagen una vez encontrada debe convertirse en una obsesión constante, reiterando siempre sobre lo mismo pues es de la familiarización con la imagen y la reiteración sobre la misma que puede lograrse una disciplina que nos lleve a la transformación de este proceso en otro totalmente diferente. Cuando la forma de expresión en dibujo cambia esto quiere decir que el sujeto también ha cambiado en dimensión intrapersonal.
- la disciplina y la constancia con el dibujo, no está relacionada con la cantidad de dibujos o ejercicios plásticos que el estudiante le pueda presentar a un profesor, sino con la capacidad de apasionarse con el mismo, tanto que pueda realizarlo en cualquier momento por necesidad, no por obligación.
- El análisis constante del encuentro técnico, del desarrollo del mismo, del avance técnico, es la única manera de darse cuenta del cómo se trasforma la técnica el objeto y la imagen plástica, la idea, que es lo mismo que decir que el sujeto se ha trasformado por dicho proceso.
5. Etapa de retroalimentación: Con esto se pretende estar en diálogo constante con el otro, desarrollar la capacidad de escucha y comprensión de los demás pares, exponerse verbalmente a través de la palabra es reconoce-se ante otros ser conciente de la humanidad, este proceso sirve para aclarar cosas frente al proceso creativo a través del habla. Se busca poder reconocerse en el otro a partir de la escucha y el conocimiento de sus sentires, concepciones, y emociones. En este momento además de contar la experiencia nos acercamos a la lectura de los ejercicios plásticos de los compañeros fortaleciendo la crítica constructiva y la capacidad de interpretación de la experiencia del otro. De alguna manera se procura ser expuesto por otro, a partir de la lectura que el otro puede hacer de la experiencia del compañero. Ser expuesto por otro ofrece la posibilidad de ver y reconocer procesos técnicos, elementos plásticos y sentires que el otro ve desde afuera sobre mí mismo. Vale la pena aclarar que este proceso se puede dar en el intermedio de las anteriores etapas. Palabras claves de esta etapa oralidad, diálogo, escucha, exponerse y ser expuesto por otro.
6. Etapa de recogimiento: surge la reflexión después de escuchar lo que los demás apuntan sobre el sujeto, sobre la visión que pueden dar sobre el mismo, como de los logros expresivos a través del trabajo plástico. La intención con esta etapa es desarrollar la capacidad de escritura a través de la cual se continúa aclarando el proceso que ha proseguido, además de volver constantemente sobre la experiencia primera, logrando comprender mas a fondo lo que se ha sentido. A través de la reflexión, la expresión plástica y verbal, y la escritura se pretende el fortalecimiento de procesos que conlleven al desarrollo de la competencia emocional, es decir, la inteligencia emocional en donde se busca ser conciente y comprender a fondo las emociones y sentires, entendiendo la emoción como el resultado de la afección que sufre interiormente el sujeto.
Lo que se pretende aquí ya no es realizar una análisis y mostrar un resultado que parta de una experiencia significativa al interior de una clase, sino buscar nuevas salidas sin límite a la proposición de las mismas dentro del currículo, el cual debe ser desarrollado y pensado pacientemente a la luz de lo que se acaba de exponer. Es por ello que la propuesta solo queda enunciada pues es menester repensar en la manera como debe ser integrada la taxonomías de las competencias, es decir, las competencias fundamentales, académicas y productivas, en los diferentes niveles del currículo. Para realizar esta tarea no basta con la experiencia de un solo docente, sino del trabajo conjunto y en equipo de los docentes pertenecientes a un mismo departamento.
Bibliografía
- De Zubiría S. Miguel Enfoques pedagógicos y didácticas contemporáneas ISBN 96967-7-5
Fundación Internacional de Pedagogía conceptual alberto Merani. Colombia 2004
- Zambrano Leal, Armando Pedagogía educabilidad y formación de docentes ISBN 958-33-2236-9
Editorial Nueva biblioteca pedagógica. Santiago de Cali 2002
- Aguirre Imanol. Modelos formativos en Educación Artistica. Ponencia presentada en el Lanzamiento del Foro Virtual en Educación Artística para América Latina y el caribe. Bogotá 2005
1. Etapa de sensibilización: Capacidad del ser humano de captar información de la realidad también de sí mismo. Sentirse afectado por el medio o por los otros. Tratamos de ampliar y recobrar los sentidos reavivarlos y disponerlos de nuevo al medio, en primer lugar sobre el espacio real en donde se encuentre el estudiante. - Lugar diferente al salón de clase
- Desde la memoria y el recuerdo de situaciones que nos han afectado en algún momento de nuestras vidas (recobrar la información de lo sucedido).
Desde la etapa de sensibilización lo que se pretende es recobrar la información respecto a emociones que hemos acumulado en situaciones dolorosas del pasado y que se encuentran en la memoria. Hacerse conciente de ellas, hacer memoria, recordarlas Esta etapa puede hacerse desde ejercicios de meditación guiados con la voz del mismo docente, también puede hacerse con música, objetos, movimientos del cuerpo, olores, esto depende de la creatividad y flexibilidad del docente. También puede hacerse recorriendo espacios de la ciudad.
2. Etapa de percepción: la interpretación que hacemos de nuestras emociones a partir de la sensibilización, es más elaborada.
Capacidad de transformar la información que he recibido y por la cual he sido afectado y ser conciente de la misma, en últimas es la interpretación de la información. Cómo me afecta, es hacerse conciente de esto. Esta etapa puede presentarse en cualquier momento antes o después al interior de cualquier etapa aquí mencionada, puede ir apareciendo durantes estos momentos, pues, cuando se trata de comprender algo que pasó emocionalmente es un proceso lento, de duelo y aceptación que no se da en un solo instante, se puede extender a lo largo del semestre pero que debe ser comunicada verbalmente (o ulizando cualquier otra forma de expresión).
3. Etapa de reconocimiento de la experiencia: Aquí se manifiesta lo que se siente verbal o escrituralmente frente a los otros, a los demás, siendo escuchado sobre el sentir y del cómo ha sido afectado el sujeto. La Una experiencia se traduce en estar involucrado en X o Y situación respecto a algo, que le afecta al sujeto positiva o negativamente y de la cual se puede aprender, es en la sumatoria de una y otra experiencia de vida y del reconocimiento de las mismas que se forma la madurez y la personalidad. Deben surgir multiplicidad de preguntas, problemáticas sobre la situación.
La experiencia también puede ser creada, para propiciar una experiencia plástica el docente puede recrearla a partir de elementos particulares, haciendo uso de objetos que pertenezcan al sujeto y que sean importantes para él en su espacio íntimo, esta acción está muy relacionada con la etapa de sensibilización. La experiencia solo sucede en el sujeto en el momento que él mismo se hace conciente de dichos momentos o situaciones y sabe cómo ha sido afectado por ellos.
4. Etapa de expresión plástica: Momento a través del cual el estudiante puede expresar de manera plástica sus afecciones, en este caso comunicar a través del dibujo su experiencia. Para lograr esto se deben entregar algunas herramientas previas, para poder encontrar la imagen adecuada que mejor comunique lo que se pretende. El encuentro de la técnica también es importante, desde el concepto ampliado del dibujo o del llamado dibujo contemporáneo, en donde entran hacer parte de esto otras técnicas pertnecientes a otras áreas.
- El encuentro de la técnica apropiada es muy importante respecto a la problemática que se quiere manifestar. Cada técnica posee un modo de ser que puede ser compatible o no con el sujeto que la utiliza, es por ello que no todos son buenos para expresarse a través del dibujo o la pintura, esto está en íntima relación con el estado, la forma de ser y el carácter de cada sujeto. Así, podríamos relacionar el dibujo con procesos del pensamiento y de su facilidad o dificultad para ser expresado, tiene un tinte único y personal es por ello que cada persona tiene una forma única de firmar, con su propia letra, siendo la firma una manera de acercarnos al dibujo inicialmente, cada firma caracteriza caligráficamente al portador de la misma es única e irrepetible al igual que el dibujo, la caligrafía expresada en una firma es un dibujo.
- El encuentro de un símbolo, metáfora o imagen apropiada para expresar lo que se siente es también una labor dentro del aula, el desarrollo del pensamiento visual y gráfico está en relación con la capacidad que tiene el estudiante de trasmitir lo que piensa en imagen y así comunicar su sentir. Esta imagen una vez encontrada debe convertirse en una obsesión constante, reiterando siempre sobre lo mismo pues es de la familiarización con la imagen y la reiteración sobre la misma que puede lograrse una disciplina que nos lleve a la transformación de este proceso en otro totalmente diferente. Cuando la forma de expresión en dibujo cambia esto quiere decir que el sujeto también ha cambiado en dimensión intrapersonal.
- la disciplina y la constancia con el dibujo, no está relacionada con la cantidad de dibujos o ejercicios plásticos que el estudiante le pueda presentar a un profesor, sino con la capacidad de apasionarse con el mismo, tanto que pueda realizarlo en cualquier momento por necesidad, no por obligación.
- El análisis constante del encuentro técnico, del desarrollo del mismo, del avance técnico, es la única manera de darse cuenta del cómo se trasforma la técnica el objeto y la imagen plástica, la idea, que es lo mismo que decir que el sujeto se ha trasformado por dicho proceso.
5. Etapa de retroalimentación: Con esto se pretende estar en diálogo constante con el otro, desarrollar la capacidad de escucha y comprensión de los demás pares, exponerse verbalmente a través de la palabra es reconoce-se ante otros ser conciente de la humanidad, este proceso sirve para aclarar cosas frente al proceso creativo a través del habla. Se busca poder reconocerse en el otro a partir de la escucha y el conocimiento de sus sentires, concepciones, y emociones. En este momento además de contar la experiencia nos acercamos a la lectura de los ejercicios plásticos de los compañeros fortaleciendo la crítica constructiva y la capacidad de interpretación de la experiencia del otro. De alguna manera se procura ser expuesto por otro, a partir de la lectura que el otro puede hacer de la experiencia del compañero. Ser expuesto por otro ofrece la posibilidad de ver y reconocer procesos técnicos, elementos plásticos y sentires que el otro ve desde afuera sobre mí mismo. Vale la pena aclarar que este proceso se puede dar en el intermedio de las anteriores etapas. Palabras claves de esta etapa oralidad, diálogo, escucha, exponerse y ser expuesto por otro.
6. Etapa de recogimiento: surge la reflexión después de escuchar lo que los demás apuntan sobre el sujeto, sobre la visión que pueden dar sobre el mismo, como de los logros expresivos a través del trabajo plástico. La intención con esta etapa es desarrollar la capacidad de escritura a través de la cual se continúa aclarando el proceso que ha proseguido, además de volver constantemente sobre la experiencia primera, logrando comprender mas a fondo lo que se ha sentido. A través de la reflexión, la expresión plástica y verbal, y la escritura se pretende el fortalecimiento de procesos que conlleven al desarrollo de la competencia emocional, es decir, la inteligencia emocional en donde se busca ser conciente y comprender a fondo las emociones y sentires, entendiendo la emoción como el resultado de la afección que sufre interiormente el sujeto.
Lo que se pretende aquí ya no es realizar una análisis y mostrar un resultado que parta de una experiencia significativa al interior de una clase, sino buscar nuevas salidas sin límite a la proposición de las mismas dentro del currículo, el cual debe ser desarrollado y pensado pacientemente a la luz de lo que se acaba de exponer. Es por ello que la propuesta solo queda enunciada pues es menester repensar en la manera como debe ser integrada la taxonomías de las competencias, es decir, las competencias fundamentales, académicas y productivas, en los diferentes niveles del currículo. Para realizar esta tarea no basta con la experiencia de un solo docente, sino del trabajo conjunto y en equipo de los docentes pertenecientes a un mismo departamento.
Bibliografía
- De Zubiría S. Miguel Enfoques pedagógicos y didácticas contemporáneas ISBN 96967-7-5
Fundación Internacional de Pedagogía conceptual alberto Merani. Colombia 2004
- Zambrano Leal, Armando Pedagogía educabilidad y formación de docentes ISBN 958-33-2236-9
Editorial Nueva biblioteca pedagógica. Santiago de Cali 2002
- Aguirre Imanol. Modelos formativos en Educación Artistica. Ponencia presentada en el Lanzamiento del Foro Virtual en Educación Artística para América Latina y el caribe. Bogotá 2005
10 de junio de 2006
ARTE CULTURA Y EDUCACIÓNUna de las primeras preguntas que surgen al iniciar la reflexión para realizar el siguiente ensayo, parte de la experiencia docente que se ha vivido al interior de la escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas, y es precisamente la existencia del modelo. Se preguntarán que tiene que ver el modelo en una clase de dibujo de Artes Plásticas con un ensayo sobre Arte, Cultura y Educación. Pues bien, es a raíz del análisis y la búsqueda de un cambio metodológico para la enseñanza del dibujo, que surge la siguiente pregunta, ¿es obligatorio, imperativo, y necesario utilizar la figura del cuerpo humano, el modelo real, en la enseñanza del dibujo? Cuando ampliamos esta pregunta a otras esferas, nos lleva a pensar obligatoriamente la noción de modelo y los usos y aplicaciones que tienen estos en diversos campos o ámbitos a nivel económico, político, social, y cultural, modelos surgidos en otros lugares, y las implicaciones que traen consigo en el desarrollo cultural de las sociedades de América latina. El modelo aquí es asumido como aquel que tiene que ver con algo a lo cual seguir, con lo cual guiarse, algo que se puede imitar y en el ámbito del arte, algo que se puede copiar. En muchas ocasiones y en muchos campos la existencia de modelos ha permitido el progreso, el conocimiento y la comprensión de sistemas o fenómenos muy complejos, pero en otros casos la utilización de modelos no depende solamente de la aplicación del mismo, sino también, del medio o contexto en el que se aplique, como lo mencionaba Mora Osejo y Fals Borda “…no siempre resultan apropiados para concebir soluciones surgidas en nuestro medio”[1].
Es esta la excusa que nos lleva un poco más allá, nos lleva a trascender el problema del modelo y penetramos en otros campos en donde nos planteamos la necesidad de cuestionarnos sobre el cómo estamos llevando a cabo nuestros procesos, en términos de si estamos cumpliendo con nuestra labor, buscando soluciones a problemáticas propias, a partir de tácticas propias; o si por el contrario estamos aplicando estrategias que en otros lugares han realizado pero que difieren en cuanto al contexto y a la realidad social en que vivimos. La pregunta por el modelo genera y sugiere la preocupación del ¿cómo construir nuestras propias nociones de arte y educación, que sean coherentes con nuestras realidades y necesidades sociales? Partiendo de estas preguntas se pretende entrar en una reflexión alrededor de las dimensiones de Arte, Cultura y Educación, sobre las relaciones que se tejen entre las mismas, con el fin de aclarar algunas nociones existentes, referentes a lo artístico y lo cultural; para desde allí ver cómo se traslapan, cómo se tocan en la práctica cultura y universidad, y cómo se aporta desde el campo universitario en la construcción de esta cultura; asumiendo la universidad como mundo cultural y político, como lugar que hace posible el desarrollo cultural individual y colectivo, además, a manera de micromundo donde se ven reflejadas las problemáticas culturales que suceden a nivel macro.
Todo este entramado de relaciones pretendemos hacerlas visibles a partir del supuesto que el arte es la principal forma de expresión en que se manifiesta la cultura, se parte de los imaginarios y las representaciones simbólicas culturales existentes, configuradas desde las prácticas artísticas. Se trata de visualizar cómo estas representaciones simbólicas se convierten en el principal mediador para comprender los procesos culturales que se dan entre los diferentes grupos sociales en la realidad, cómo las prácticas simbólicas son un universo que hace posible múltiples realidades, y donde esta multiplicidad resulta ser nuestra principal fortaleza cultural. Desde allí, se busca entonces proponer la investigación en artes como otra forma generadora de conocimiento diferente de la científica, y en este caso, el entendimiento de los procesos y transformaciones que se dan a nivel cultural en nuestra sociedad, materializadas en algunas de estas prácticas, entendiendo las prácticas artísticas mas allá de lo meramente artístico, trascendiendo el concepto de obra de arte, y en donde entran a jugar un papel importante otros comportamientos y maneras de hacer propias de la cultura que no se han tenido en cuenta dentro del concepto de arte tradicional legado por occidente[2].
Entre lo cultural y lo artístico, algunas nociones
Una de las concepciones que subyacen a partir del siglo XVIII y que nace con el poderío de Francia e Inglaterra como potencias mundiales en esta época, es aquella en donde la cultura es considerada como “la alta cultura”; de la mano de la ilustración, se pensaba que aquellas personas que tenían acceso a cierto tipo de conocimiento, que fueran letradas, eran las únicas poseedoras de la cultura, a diferencia de la baja cultura o cultura popular en donde el pueblo, no disfrutaba los privilegios de acceder a dicha educación, los poco letrados no la poseían, en palabras de Santiago Castro “Las formas propiamente letradas o como diría Weber Racionalizadas de la cultura (codificación musical, arte secularizado, literatura, filosofía, historiografía), son más elevadas desde el punto de vista fenomenológico, puesto que a través de ellas el hombre pudo volver sobre sí mismo y reconocer su propia vocación espiritual. Los grupos humanos que no han logrado acceder a la reflexividad de la cultura alta permanecen anclados en la minoría de edad y se hallan necesitados de la iluminación proveniente de los letrados y particularmente de los filósofos”[3] igualmente y como lo menciona el autor en el campo de las artes, eran los de la élite, los reyes, pertenecientes a la corte real, quienes podían pagar por un retrato en pintura o encargar una escultura a los principales artistas de esta época. Vemos que el arte no es autónomo en el momento de tomar sus propias decisiones, pues estos artistas, dependían de la realeza para darse a conocer entre la sociedad. No podemos dejar de mencionar que paralelo a todo este pensamiento racionalista, aparece el Romanticismo como movimiento contrapuesto, e igualmente el arte hace su aparición para contar otra forma ideológica, pero este tema hace parte de otra discusión. Podemos hacernos una idea aún mejor de lo que ocurría a partir de la obra las Meninas de Velásquez pintor español.[4] Vale la pena aclarar que este pensamiento aún sigue vigente en nuestra época.
Un poco mas adelante en la historia, la cultura entra hacer parte de uno de los andamiajes más fuertes de la humanidad, la ciencia. Con la aparición de las ciencias humanas la cultura pasó a hacer objeto de estudio de algunas disciplinas como la antropología, la sociología, la etnología, (aunque esta última es más reciente). Pasamos a concebir la cultura como espacio de desarrollo humano y social que está sujeto a un territorio geográfico. Considerada como una serie de manifestaciones de un grupo social o una comunidad, como lo menciona Santiago Castro Filósofo e investigador del instituto de Estudios Sociales y culturales PENSAR de la Universidad Javeriana “…debe asentarse en las condiciones geográficas, las costumbres, la lengua y los modos de pensar características de un pueblo sobre el que se ejerce un gobierno”[5] Y aquí el autor nos da pie para exponer la relación que comienza a darse entre cultura y poder, en donde la cultura se haya sujeta no solo a un grupo poblacional o a un estado, sino a otros elementos como la economía, y la política, en este caso el modelo económico capitalista, en donde los estados que mayores riquezas acumulen son consideradas potencias mundiales y se convierten en centro del poder, y aquellos otros harán parte de la llamada periferia. Todos estos cambios están amarrados al desarrollo histórico que ha ocurrido durante el siglo XX, y a todo este marasmo de cambios en el cual los hechos han transcurrido con gran rapidez, aparecen temas que si bien se tocan a nivel internacional, trazan y marcan políticas a nivel local. En estas últimas dos décadas se ha hablado del proceso de globalización, de la relación entre lo global y lo local, temas como la internacionalización de la economía, de los grandes procesos de desterritorialización, los tan nombrados fenómenos diaspóricos, y resultado de esto, las emanaciones multiculturales e interculturales. Hechos que suceden todos a la vez y que demandan necesariamente transformaciones en el pensamiento, y acciones que acontecen en el campo del arte, como lo enfatiza Garcia Canclini “La cultura propia se formaría en relación a un territorio y se organizaría conceptual y prácticamente, gracias a la formación de colecciones de objetos, textos y rituales, con los que se afirmarían y reproducirían los signos que distinguen a cada grupo”[6], después de que las ciencias sociales asumen que existen diversas culturas, comienza una afanosa carrera por organizar aquellos vestigios que las mismas culturas han producido en la historia y en el mismo tiempo en que habitan. Proliferan los museos arqueológicos, los grandes coleccionistas de arte y una extraña valoración por lo que parece ser una suerte de cultismo por manifestaciones artísticas de grupos sociales que antes estaban en el olvido y que era necesario que entraran hacer parte del andamiaje historicista de las sociedades. Una vez más en el arte, los elementos extraños de culturas como la africana, la indígena, los negros, los mismos grupos humanos migratorios servían de tema para la consolidación formalista del arte y con esto la secularización del mismo, bien lo menciona Jairo Montoya Licenciado en Filosofía y letras, profesor de la Facultad de Ciencias humanas de la Universidad Nacional sede Medellín “Frente a una estética restringida casi exclusivamente a las producciones del arte y cuyo espacio aparecía cada vez más difícil e inoperante de sostener, se trataba ahora de reivindicar una estética expandida que buscase no tanto la universalización del fenómeno artístico, cuanto la indagación por los diferentes estratos que componen el comportamiento estético; o en palabras de André Leroi Gourhan, que se propusiese “rescatar en toda la densidad de las percepciones cómo se constituye en el espacio y en el tiempo un(os) código(s) de emociones, asegurando al sujeto étnico lo más claro de su inserción afectiva en su sociedad”[7]. Para comprender el cambio de pensamiento alrededor de la concepción sobre cultura podemos ver algunos objetos y obras construidas en culturas como la africana y la cubana pero que fueron adquiridas como obras para museo. (Ver presentación).
Hoy día consideramos que la cultura se amplía un poco más, para entrar a discutir ya no de una sola cultura unificadora de una nación, caso de América Latina, sino que una nación está constituida por múltiples culturas que se traslapan y se interrelacionan enriqueciéndose o devastándose unas a otras. Se trata de que según el número de comunidades o grupos sociales existan, igual será el número de culturas que coexistan detrás de dichos grupos. En este caso la cultura está concebida como las maneras, o formas de hacer de una comunidad y en la que entran a jugar elementos importantísimos como lo gastronómico, las costumbres, los ritos y mitos, la lengua, sus manifestaciones artríticas; y todo esto entra a conjugar un entramado de relaciones internas entre los sujetos de la misma cultura y otros que están por fuera de la misma, así lo dice jairo Montoya “Pero a lo mejor hablamos de memorias porque nuestra condición actual, nos pone, en primer lugar ante la experiencia de una individualidad fuertemente “fragmentada” que parece buscar contrapartida, y a toda costa, puntos de reconocimiento y de identificación; y en segundo lugar, ante agrupaciones sociales “reterritorializadas” en sus espacios, en su comportamiento y sobre todo en su pertenencia a un suelo histórico que las arraigue”[8].
La búsqueda a la que se han dedicado los artistas en esta época es entonces la de reconstruir la memoria, de recuperar lo que se ha perdido, de recuperar si se quiere una identidad sumida en el olvido, y la autonomía de las mismas frente a la llamada globalización. Es por todo esto que una de las artistas Manizaleñas presenta una obra en el XI Salón regional de Artistas. Quiso entrar a construir y apropiarse de un espacio público en donde retoma elementos propios de nuestra cultura popular y los reconfigura en una construcción a la que denomina “Sutura”, aquí la memoria hace aparición a través del elemento sagrado, la sábila, elemento cultural significante, que para algunos de nosotros el ubicarla detrás de la puerta concede protección al hogar, en otros casos como en el de sutura la Sábila posee características sanadoras con la finalidad de suturar dos lugares de la ciudad que se hayan escindidos, que posee movimientos y ritmos discontinuos pero que hacen parte de la misma ciudad (Ver imagen en presentación)
De estos movimientos se desprenden grandes tesis como las de Néstor Garcia Canclini o de Jesús Martín Barbero, que analizan a fondo las relaciones entre culturas tanto dentro de los territorios, como las consecuencias de los grandes desplazamientos y los fenómenos que se generan alrededor de ellos y su relación con la llamada caída del proyecto de la modernidad. Estos autores nos pueden dar un poco mas de luces sobre lo que sucede en estas esferas.
Universidad y Cultura
Uno de los espacios donde hacemos posible la cultura es la Universidad, desde el papel que cumplimos como docentes se pueden generar reflexiones y diálogos en donde es posible abrir debates entorno a los valores culturales existentes dentro de nuestras sociedades[9], José Gregorio Rodríguez nos dice“ En consecuencia cada acto de clase es un acto creador y no una mera repetición de fórmulas, es una constante poiesis que propicia interacciones humanas de gran riqueza mediadas por el conocimiento y hace que los minutos compartidos en las aulas, se conviertan en instantes de creación”[10] Vemos que en el mundo universitario confluyen múltiples realidades, formas de ser de la cultura, llegan estudiantes cargados de todo un mundo simbólico propio de sus raíces y de la hibridación con otras culturas, se convierte entonces en un micromundo en donde se da y se recibe constantemente, conciente e inconscientemente, a partir de las interrelaciones que se propician en una aula de clases, para citar solo un ejemplo.
Se presentan entonces tres puntos claves desde las cuales la cultura se hace posible al interior de la universidad, y que se convierten a su vez en funciones de la misma: a) a través de la formación el estudiante tiene la posibilidad de acceder al conocimiento, a otros saberes que no le son propios, pero que le hacen posible el entendimiento del mundo y le proporcionan el sentido a su existencia. b) en el espacio de la investigación es posible el entendimiento de muchos de los sucesos de nuestras culturas, de nuestras realidades circunscritas en ámbitos regionales y contextos propios, pero amarrados a su vez a procesos globales y trasformadores. En la búsqueda de soluciones que den salida a múltiples conflictos que se generan en torno a las diferencias culturales, pero también desde esas maneras de hacer propias de cada cultura, “Así mismo, la comprensión de la vida que fluye en nuestras ciudades y pueblos y los saberes que día a día se inventan nuestros conciudadanos, los saberes experienciales son la tercera fuente de saber que alimenta el entramado complejo del conocimiento universitario”[11] c) desde la constante interrelación con el mundo exterior y la academia se hace posible visualizar problemáticas, para generar soluciones viables. Además de las relaciones constantes que se tejen con la sociedad circundante, paso importante en el buen manejo y funcionamiento del conocimiento generado al interior de la universidad.
Arte, investigación y creación
Es bien sabido por todos nosotros que la investigación científica al interior de nuestras universidades está muy bien posicionada, si bien es una de las herencias que nos lego la modernidad, ha marcado la mayor parte de los avances tecnológicos y el desarrollo de conocimientos que se han generado en la historia de las sociedades. Pero surge una pregunta como respuesta a lo que el proyecto de la modernidad dejó enraizado, y es la enseñanza y el aprendizaje por medio de la razón. Pensamos, leemos y escribimos de una sola forma, pero la verdad es que nuestro ser posee diversas formas de manifestarse. Además nos encontramos sumergidos en una cultura que constantemente está bombardeada por la imagen, aunque la era de la imagen parece haber pasado ya, más que sentirnos bombardeados por imágenes, creemos que esta es una forma diferente de ser y aprehender el mundo, desde lo visual, desde la imagen. Proliferan juegos de video, computadores, el Internet y demás elementos telemáticos que hacen la vida más rápida, dinámica, activa y acuciosa, y en muchas ocasiones se nos hace incomprensible los cambios tan drásticos y rápidos que suceden en nuestras sociedades.
Es así como el arte posee una manera de hacer intrínseca, estrategias que se han desarrollado con el tiempo y la investigación en el manejo técnico plástico, desde el cual el ser humano también aprehende y le da sentido al mundo y a su existencia. Entre estas estrategias se encuentra la del pensamiento visual pues es a través de la imagen que nos comunicamos, hacemos y proponemos múltiples realidades, posibles o no “la diferencia entre la ciencia y el arte, no es la distancia entre lo racional y lo prerracional, sino entre dos tipos de pensamiento, uno que se expresa en conceptos y otro sumergido en imágenes”[12] .
Es desde el entendimiento de la imagen, del contexto y la cultura en la cual ha sido creada que nos apoyamos para desarrollar conocimiento, a través de diversas maneras, perceptivas visuales, táctiles, olfativas incluso a partir del oído como lo hace la música, otras veces implementando métodos surgidos de la antropología, la sociología y demás ciencias humanas, pero que conjugados, se reúnen ciertas herramientas para la comprensión de lo que sucede, pues es claro que el arte no solo es una forma de esparcimiento, de ocupar el tiempo libre o en otros casos una forma decorativa, sino la manera a través de la cual la cultura se materializa. El arte es un modo de sentar una posición política y crítica a través de la cual el artista o el practicante del arte muestran o explicitan facetas del mundo y las sociedades, que no se hacen explícitas en esferas de poder en donde ideologías políticas o modelos económicos marca la pauta y lleva la batuta del desarrollo social.
Con este primer acercamiento a lo que es nuestra manera de vivir en sociedad, se pretende posicionar la investigación en artes con el pensamiento visual como una forma más de generación de conocimiento, pero hacia la comprensión y el desarrollo más íntegro del ser humano, que de respuestas a la búsqueda del equilibrio que siempre se ha planteado entre razón y sentimiento, racionalidad e irracionalidad, es decir, sin hallar puntos de escisión entre la forma de investigación de la ciencia y el arte, “una teoría del arte capaz de trascender el antagonismo entre pensamiento e intuición, podría contribuir a reelaborar los dilemas de fin de siglo, cuando todas las estructuras socioculturales se desestabilizan y nos preguntamos si es posible construir imaginarios que no desemboquen en furores irracionales”[13]. Cabe aclarar que esto está apenas en construcción a nivel nacional, parte del encuentro de Facultades de Artes realizado en Bogotá en noviembre de este año por ende, este tema está apenas comenzando a surgir en los ámbitos académicos universitarios.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
- Ávila Penagos, Rafael (compilador), Sujeto, Cultura y dinámica social. Ediciones Antropos. Santafé de Bogotá 2005
- Cultura y Región. Universidad nacional, Facultad de Ciencias Humanas, centro de estudios sociales Ces. Jesús Martín Barbero, Fabio López De la Roche y Ángela robledo, editores. Santafé de Bogotá 2000
- Garcia Canclini, Néstor. El fin de siglo en las artes latinoamericanas, VI cátedra internacional de Artes Luis Ángel Arango. Santafé de Bogotá 1996
- Rodríguez, José Gregorio, Universidad Conocimiento y sociedad. Ponencia Manizales 2004
[1] Mora Osejo Luis Eduardo y Orlando Fals Borda. La superación del Eurocentrismo, enriquecimiento del saber sistémico y endógeno sobre nuestro contexto tropical. Academia colombiana de Ciencias Exactas, Físicas y naturales. Colombia 2002 p. 7
[2] En este caso es el método de enseñanza privilegiado en la escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Caldas, además es el método de enseñanza utilizado en muchas otras escuelas de artes del país.
[3] Castro Gómez Santiago, Teoría tradicional y teoría crítica de la cultura, en el libro Sujeto Cultura y dinámica social. Ediciones Antropos. Bogotá 2005 p.75
[4] ver presentación imagen de las Meninas
[5] Castro Gómez Santiago, Teoría tradicional y teoría crítica de la cultura, en el libro Sujeto Cultura y dinámica social. Ediciones Antropos. Bogotá 2005 p. 76
[6] Garcia Canclini Nestor, Narrar la multiculturalidad. VI cátedra de Arte Luis Angel Arango el fin de siglo en las artes latinoamericanas. Bogotá 1996 p. 2
[7] Montoya jairo, De las memorias a las dramaturgias urbanas. Cultura y Región , Universidad Nacional. Bogotá 2000 p.297
[8] Ibid. P. 299
[9] En este caso nos referimos a las sociedades de América Latina
[10] Rodríguez José Gregorio, en la ponencia Universidad, conocimiento y sociedad.
[11]Ibid.
[12] Garcia Canclini, Néstor Rehacer los pasaportes. El pensamiento visual en el debate sobre multiculturalidad. P. 1 El fin de siglo en las artes latinoamericanas. Santafé de Bogotá 1996
[13] Ibid, p. 2
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